Mostrando entradas con la etiqueta Música. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Música. Mostrar todas las entradas

La técnica del DJ: la mezcla


Mezcla DJ

1. El análisis de las canciones


Aprender a escuchar

Si aspiras a ser un buen DJ, tienes que aprender a oír las canciones analizándolas y diseccionándolas por completo. Cuando oigas una canción tienes que aprender dos cosas fundamentales: la primera, distinguir cada instrumento, voz o pista claramente, y la segunda, saber el momento del tiempo en el que entran o salen. Para aprender a distinguir mejor cada instrumento usa los mandos del ecualizador. Verás como manejando los graves, agudos y medios, cada instrumento asociado a estos tonos se distingue mejor. Al principio practica con discos sencillos, con pocos instrumentos, luego vete complicando la cosa.

Tienes que distinguir los elementos básicos:

- El bombo: en la batería es el elemento más grande que se acciona con el pie a través de un pedal. Suena fuerte y grave.

- La caja: en la batería es el elemento vertical con unos resortes metálicos en la parte anversa, que proporcionan un sonido metálico.

- Hi-hat o charles: son los platillos de la batería que chocan entre sí a través de un pedal. Tiene un sonido seco y metálico.

- Otros elementos de percusión: como los platos de batería, congos, bongas, cencerros, claps o palmadas, tamboriles, etc.

- El bajo: puede ser electrónico o acústico, proporciona los sonidos graves que sirven de acompañamiento.

 - La melodía: el instrumento puede ser variado: guitarra, sintetizador, piano, órgano, saxofón, etc.

- La voz: es un sonido complejo formado por muchos armónicos. A través de la letra, con versos y estribillos, añade un valor emocional.



Saber separar la información musical

Un DJ debe aprender a ser capaz de oír dos temas a la vez, uno que se escucha en la sala, y otro a través de los auriculares o cascos, y al tiempo saber reconocer y distinguir la información musical de cada uno. Para ello, el tema principal sonará con el crosffader situado en su lado, y con el control de preescucha de la mesa de mezclas o del controlador mezclador, oiremos el tema siguiente sujetando los cascos de manera que cubran una oreja. Vamos ajustando los niveles del volumen para que ambos suenen al mismo nivel. Tenemos que aprender a separar ambos temas en nuestra mente. Hay que practicar cambiando de lado y de oído.

Para poder ser un buen DJ hay que tener buen oído y por eso hay que conservarlo. Para ello no oíremos música a gran volumen con auriculares, daremos descanso a los oídos dándolos momentos de silencio y usando tapones para los oídos para descansar o en ambientes de mucho ruido.


Cuidado del material sonoro

El material musical que uses debe conservar siempre una excepcional calidad. Si usas archivos informáticos, estos deben tener buena calidad sonora. Si usas CDs o vinilos estos además requieren un cuidado físico. En los CDs hay que tener cuidado de que no se rayen y se conserven limpios. En los discos de vinilo no rayar los surcos tomando siempre el disco entre el canto y la parte central.


2. El ajuste de los tiempos


Aprender a dar la entrada

Elige una canción y reprodúcela a volumen alto, mejor si empieza con un golpe de bombo fuerte y nítido. Aprende cuando se produce exactamente. Tienes que aprender a buscar en las canciones el momento de entrada.


Usar los faders

Tenemos dos tipos de faders: los faders que regulan el nivel de volumen de cada canal, de disposición vertical, y el crossfader, de disposición horizontal, que hace un balance del volumen de ambos canales.

Una cosa muy importante que hay que tener en cuenta es que el nivel de los faders tal como se ven no refleja el volumen comparativo de los canales, ya que los temas pueden tener distintos volúmenes originales. Si un tema está grabado a menor volumen que otro porque situemos ambos faders en la parte central de su recorrido no implica que estén sonando al mismo volumen. Por esta razón el DJ debe ser capaz de reconocer y llevar ambos temas al mismo volumen independientemente de la postura física de los faders.

La mezcla de dos temas, en cuanto a volumen de sonido, se puede hacer de tres formas:

- Subiendo el nivel de volumen del tema que entra, mientras baja el volumen del que sale, de forma que el volumen total se mantiene constante, durando la mezcla lo menos posible.

- Subiendo el nivel de volumen del tema que entra, mientras baja el volumen del que sale, de forma que el volumen total se mantiene constante, durando la mezcla cierto tiempo.

- Bajando el volumen del tema que sale, hasta igualarlo con el del tema que entra y luego subiendo este al volumen de reproducción. Hoy día ha caído en desuso.

Debes practicar una y otra vez todas estos tipos de mezcla en volumen hasta que te quede perfecto. Cuando lo domines graba una sesión de varios temas, escuchándola para ver los fallos.

Controlador mezclador DJ
Controlador mezclador DJ
Como cuadrar los tiempos

Para realizar bien la mezcla, los ritmos de las dos canciones que se mezclan deben sonar al mismo tiempo. Pueden pasar tres situaciones al mezclar las canciones:

- Las dos canciones suenan a la misma velocidad o tempo, medida en BPM (Bits por minuto), pero los ritmos no están ajustados, por ejemplo, los golpes de bombo no suenan al tiempo. No están sincronizadas.

- El golpe bombo coincide, pero luego no vuelve a coincidir. Las canciones están a distinta velocidad.

- Los ritmos y los golpes de bombo coinciden, las canciones están sincronizadas.

La manera de sincronizar los ritmos de las canciones es a través del manejo de la velocidad de los platos. La velocidad ha de ajustarse mediante el pitch y comprobar su valor. El aprendizaje de la técnica requiere paciencia y entrenamiento. Una forma de empezar a hacerlo es concentrarse en los golpes de bombo y olvidarse de todo lo demás. No tiene porque ser necesariamente el golpe de bombo, pero este se puede distinguir claramente.

La velocidad se ha ajustar de una forma fina y para eso hace falta practicar. A veces sólo se trata de un pequeño movimiento en el pitch. Se puede usar la mano para cuadrar los tiempos, frenando el giro del plato, esto se usa mucho cuando se usan platos para discos de vinilo.

Si se sincronizan y luego se vuelven a desincronizar, es que las velocidades no están bien ajustadas. Esto requiere práctica y se aprende con ella. A veces pasa que el equipo es malo y pierden la sincronía a pesar del buen trabajo del DJ, esto ocurre cuando varía el tempo, el control del pitch es deficiente o son fiables los sistemas mecánicos en platos para vinilos y CDs.

Se deben usar los auriculares y esto a veces complica la audición, sobre todo en cabinas deficientes o mucho ruido externo. Es un buen entrenamiento hacerlo en malas condiciones.

Para practicar se puede usar la misma canción en los dos platos. Otra variante es no usar los auriculares.

¿Qué ocurre si no hay contador digital de bom o este falla? Pues hay que hacerlo de forma manual y esto lo tiene que saber hacer el DJ. Se cuentan los golpes de tiempo en 15 segundos, excluyendo el que da la salida, y el resultado se multiplica por cuatro. O bien, se cuentan en 30 segundos y el resultado se multiplica por dos.


3. Mezclas y cortes


Como mezclar

La mezcla es la transición suave de un tema musical a otro, tras haber sincronizado previamente sus ritmos. Consta de tres fases: 1) sincronización de tiempos, 2) introducción progresiva del segundo tema, y 3) desvanecimiento progresivo del primer tema.

Para mezclar con el crossfader, primero se situara en el lado del tema que esté sonando, después se sincronizan los ritmos, se desplaza el crossfader a la zona media de forma que suenen los dos temas a la vez, y finalmente se mueve lentamente el crossfader hacia el lado del tema que entra.

Para mezclar con los controles de canal o faders, el crossfader ha de estar situado en el centro, y el fader del tema que está sonando a máximo volumen, se sincronizan los tiempos, se va subiendo el volumen del tema entrante hasta el máximo, y finalmente se va disminnuyendo hasta desaparecer el volumen del tema que sale.

Hay que procurar evitar las mezclas en las partes de las canciones más melódicas y sí en las rítimicas, siendo ideales las que sólo se oyen baterías. También hay que saber usar el ecualizador, sobre todo en las canciones en las que son más pobres los graves. Hace buen efecto mezclar rápido las canciones con tempos rápidos y mezclar lentamente las canciones repetitivas y lentas. Si existe un crescendo en volumen en la canción que entra puede dar mucho juego en la entrada. Si dos temas se acoplan perfectamente, no hay que tener prisa en hacer la transición porque está sonando muy bien.


Sincronizando frases

El DJ debe saber contar tiempos, frases y compases. Acostúmbrate, cada vez que escuches música o bailes, en contar los tiempos: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4... Cuatro tiempos forman un compás. Cada cierto número de compases ocurre "algo" en la canción, la entrada de un instrumento o una determinada percusión, ya sea un sonido de sintetizador, platos, efectos, etc.

A la hora de mezclar dos temas, las frases no se pueden romper, ni desajustar. Esto no es teoría, esto es instintivo. Hay músicos que no saben nada de teoría musical y hacen canciones con compases. Es lógico, si no, no sonaría bien, no sería música, sería ruido, desarmonía...


Como cortar

Un corte, caída o drop mix es una transición brusca entre dos canciones sin perder el ritmo. Se suele utilizar en hip hop y garaje. La técnica no es sencilla y es importante grabar el aprendizaje para oír como queda, ya que la transición es muy rápida para apreciar su técnica en el momento que se hace. Funciona con música poco densa, con pocos instrumentos, y una percusión muy marcada.

El corte no es como la mezcla, ha de ser planificado. Se suele hacer con percusión y percusión, percusión y bajo, o percusión y bajo con melodía.

Aunque aprender la técnica del corte en una mezcla requiere trabajo, su teoría es sencilla: sincronizar las canciones, esperar el momento adecuado, y desplazar el crossfader de golpe a la canción entrante.

Si se te ha pasado el momento, espera el siguiente compás. Insistimos, es fundamental grabar los ensayos, además de para ver como lo hacemos, para saber si estamos cortando en el momento apropiado.

El corte también se puede hacer por inserción directa, sin mezcla, se oye un tema y se repente se pasa al siguiente. Estás escuchando el segundo tema para saber cuando pasar al mismo. No tienen porque estar sincronizados, pero hay que respetar, como siempre, el ritmo y los compases.

También se puede realizar un corte reversible, la transición es brusca entre una canción primera y la segunda, pero al poco vuelve la primera, y luego volvemos a la segunda, y así. Esta técnica es ideal para provocar al público y animar la pista de baile. Es fundamental que ambos temas están totalmente sincronizados, sino puede ser un desastre.

Se pueden añadir efectos en los cortes, como scratchs, efectos en forma de explosiones, etc.


Paradas y spinbacks

Una bajada progresiva de un tema por volumen o por velocidad puede ser una manera muy interesante de finalizar una sesión o dar entrada a un tema impactante. Si a ello además se une un desvanecimiento de las luces puede llegar a ser espectacular. La entrada del nueva disco puede ser de golpe o de la misma manera subiendo el volumen y/o la velocidad. Esta técnica hay que practicarla bastante porque puede parecer espectacular o puede parecer una chapuza.


4. Sincronización de los ritmos y armonía


Como ubicar

La mezcla perfecta implicaría el final de un tema unido al principio del otro, pero esto es difíciil de llevar a cabo en la práctica. Todos los temas tienen un intro y un final, y es en estos donde haremos la mezcla. Si los ritmos son muy parecidos se pueden solapar sin problemas el final del tema que sale con el intro del siguiente, pero si no lo son y se quiere dar una especie de intermedio, se puede incluso emplear la parte percusiva de otro tema puente.

La transición entre canciones ha de ser de tal manera que no parezca que hay transición. Es decir, que sea indistinguible el inicio y el final.

En los discos muy percusivos, la mezcla corta es más explosiva, para animar la pista de baile, mientras en los melódicos y muy repetitivos puede ser más larga.

Cuando un tema hace un break o un falso final, en la que decae el volumen y la música, este puede ser un buen punto para hacer la unión con el que viene.

Hay que evitar que la energía musical se venga abajo. Esto no quiere decir que siempre haya percusión o "marcha", sino saber jugar con todo esto, motivar y provocar al público, jugando a lo que no se espera.

Hay que conocer muy bien los temas, saber donde encontrar los puntos de mezcla y sobre todo practicar con todo esto. Conceptos clave en este sentido son la lógica y la armonía musical y la memoria musical, si todo esto lo tenemos claro, partimos de una buena base, y estos muy buenos cimientos los pulimos con la práctica, primero escuchando detenidamente los temas, y luego practicando con sus mezclas.


Como sincronizar los ritmos

La música moderna de baile (techno, funk, hip hop, etc.) está en el compás 4/4, cuatro tiempos por compás. Esto se comprueba fácilmente al pinchar un tema y contar mentalmente 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4...

Analizando la percusión, si en un papel haces una cuadrícula con el 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4... te darás cuenta como en cada tiempo suena un elemento de percusión distinto: bombo, platillos, caja, hi hat, etc. Si dos temas tienen un patrón de percusión similar eso quiere decir que van a mezclar bien.

Un tiempo es una parte del compás en el que suena algo y un contratiempo es el silencio entre tiempos. Es algo así como Y 1 y 2 y 3 y 4, y 1 y 2 y 3 y 4...

La síncopa es tocar una nota algo adelantada o algo atrasada. Por ejemplo, unas palmas en un contratiempo.

El silencio o pausa es un tiempo sin sonido. Si en un compás, el primer tiempo es un silencio, lo que has considerado el primer tiempo, es en realidad el segundo.

Hay ritmos típicos. En el house, cada tiempo lleva un golpe de bombo; en el funk y el hip hop, el bombo suena en el primer tiempo; en el indie y en la música de baile de los años sesenta, una caja sonaba en cada tiempo.

Hay varias causas de que los ritmos no mezclen bien: la existencia de síncopas, mucha densidad rítmica, etc.

El compás 4/4 es el más normal, pero pueden emplearse otros. La samba, la marcha y la polca usan el compás 2/4. Ciertos ritmos afrocubanos usan el compás 6/8, aunque la salsa, la bossa nova y el mambo usan el 4/4. El 3/4 es el compás típico del vals. Y ciertos temas y bandas pueden usar otro tipo de compases.


Como evitar la falta de armonía

Hemos hablado de volumen y de ritmo, pero no hemos hablado de tono, de tonalidad. Ahora es el momento de hacerlo.

Cuando suenan varias notas juntas, como en un acorde, el conjunto no siempre suena bien. Si son de la misma tonalidad, suena armonioso, si no, puede sonar desde mal hasta horrible.

Si a la hora de mezclar dos canciones, el ritmo está buen ajustado, pero suena mal, es que hay un problema de falta de armonía en esa mezcla.

Las reglas de la armonía se estudian en la teoría general de la música, pero no hace falta estudiar teoría para saber que algo está sonando mal, esto, como todo, también requiere entrenamiento.

¿Qué debemos hacer en el este caso? Lo mejor es no mezclarlas, pero si estás decidido a hacerlo tienes tres opciones: la primera, es hacer un corte, en vez de mezcla; la segunda, mezclarlas en una parte de la canción en la que sólo hay percusión; y la tercera, es usar la ecualización, para tapar los elementos que suenan mal.

No obstante, hay que tener en cuenta algunas cosas. La percusión suele casar bien, pero hay ciertos elementos que a veces no lo hacen, ten cuidado con esto. En un mismo tema puede cambiar la tonalidad, no es lo normal pero puede suceder. La tonalidad cambia con velocidad, por eso al bajar de velocidad nos suena grave y al subirla agudo, y aunque la diferencia sea pequeña, puede variar lo suficiente para cambiar la tonalidad.


Música DJ
Leer más

Programas para DJ


Mixxx

Hay DJs que prefieren pinchar al estilo clásico, con vinilo y/o CD, pero la mayoría optan por el ordenador (PC) y mezclador DJ, por lo que necesitan software para ello. En la actualidad existen una gran cantidad de programas para DJs, unos de pago y otros gratuitos.

El programa que se usa como referente es Traktor Pro, es el software profesional por excelencia. Es un programa muy potente y ofrece unas posibilidades increíbles. Como unos de sus puntos fuertes son sus efectos y su compatibilidad. Permite mezclar hasta cuatro platos. La función Sync permite hacer mezclas de forma automática. Creado por Native Instruments, en esta página, en español, puedes comprobar sus precios, versiones y descargarte una demo.

Serato DJ, de la empresa neozelandesa Serato, es otro programa para DJs muy usado por los profesionales. Similar al Traktor Pro, una de sus ventajas es que permite además mezclar vídeo. En la página de Serato puedes bajar una demo o comprar el programa.

Otros programas de pago son DeckadanceDJay (para iPad)Virtual DJ StudioDJ Mixer Express, y DJ Music Mixer.

También se pueden usar secuenciadores pensados, además de para ser usados en estudio, para ser usados en directo, como Ableton Live o FL Studio 12.

Mixxx es una aplicación gratuita, pudiendo ser usada por principiantes y expertos. Admite los formatos de audio ogg y mp3, permite sincronizar tiempos y usarlo con numerosas controladoras DJ.

Virtual DJ es otra aplicación gratuita muy popular. Aunque le faltan prestaciones avanzadas, es ideal para iniciarse en el mundo de los DJs y para pinchar en sesiones sin grandes pretensiones.

También existen aplicaciones para Android, como DJ Studio 5 (gratuita), edjing Mix  Música DJ(gratuita), djay 2 (para Android e iOS, de pago 2, 99 €), Party Mixer (gratuita),  Cross DJ Pro (de pago, 5,99€), Dj Mixer House Music (gratuita), djay FREE (gratuita), DJ Music Box (gratuita), Drum Pad Machine (gratuita), y Cross DJ (gratuita, para iOS y Android).

También existen aplicaciones online, que si bien no pueden ser usadas para sesiones en vivo, sí permiten practicar el turnablism. Entre ellas están YouDJIwebDJUntil AM, y The Mash Up Mix.

Mixxx empezó como proyecto universitario y hoy día es uno de los programas más versátiles para DJs. En la interfaz aparecen los dos decks, el mixer y la librería de música. Los colores y el aspecto se pueden cambiar por defecto. También permite descargar skins adicionales. Se pueden añadir canciones arrastrándolas. El mezclado es sencillo y la ganancia del canal se ajusta de forma automática al cargar una canción. Detecta automáticamente los BPM, aunque no de forma tan precisa como los programas comerciales. El programa incorpora un sampler con cuatro reproductores. Soporta el uso de controladores MIDI, con una lista, permitiendo el mapeo para los que no se encuentren en ella.

Virtual DJ es un programa ideal para iniciarse en el mundo de los DJs. Con él se puede empezar practicamente desde cero a mezclar. Basta con arrastrar las canciones a los decks, estudiar la velocidad a través de los BPM, que se pueden hacer coincidir automáticamente por el botón Sync, e ir mezclando y cambiando de canción a través del crossfader. Virtual DJ posee todos los componentes habituales de una mesa de mezclas.


1. Programas DJ

- Lectura: CCM. Los mejores programas para DJ
- Lectura: Redbull. 4 programas para convertirte en un DJ
- Lectura: Tecnología DJ. Los 7 mejores programas para DJs
- Lectura: El androide libre. Las mejores aplicaciones de remix de música para hacer de DJ con tu Android
- Lectura: ANDROIDPIT. Las mejores aplicaciones para DJ


2. Mixxx

- Lectura: Hispasonic. Tutorial de Mixxx



3. Virtual DJ

- Lectura: Lares DJ. Tutorial: Cómo mezclar con VirtualDJ en tan sólo 5 pasos



Música DJ
Leer más

Monta tu home studio


Home studio

Si vas a crear cualquier tipo de música electrónica, necesitas montarte tu estudio musical en caso o home studio. Este home studio va a ser distinto si lo orientas a música electrónica con instrumentos hardware (sintetizadores, cajas de ritmo, etc.), o a música digital con ordenador, o música DJ. Respecto a la cantidad de dinero que te tienes que gastar, el consejo de prácticamente todos los expertos es empezar poco a poco, gastándote el menor dinero posible, y si vas entrando de lleno ir aumentado las posibilidades y el equipo.

Respecto a la adquisición de equipo, es conveniente leer esta entrada, que trata sobre ello. Lógicamente, nuestro presupuesto condicionará el gasto en el mismo, pero se puede ir empezando poco a poco. No es necesario, ni conveniente, al principio, gastarse una gran cantidad de dinero. Ya sea de primera o de segunda mano, el equipo debe estar en buenas condiciones. Aunque es difícil, no nos engañemos, ganar dinero con la música, en principio debemos considerar que de entrada no lo vamos a hacer, por lo que no conviene empeñarse o pedir dinero prestado para este fin.


Introducción

- Lectura: Hispasonic. Monta tu propio home-studio




Qué vamos a hacer

Aprender a buscar las mejores ofertas y opciones para montar nuestro home studio al mejor precio posible


Qué necesitamos

Un lugar que hemos elegido donde vamos a vivir momentos increíbles y apasionantes con la música, una conexión a Internet, movernos cuando sea necesario y ¡mucho entusiasmo!


Desarrollo de la clase práctica

Nota: varios enlaces que aparecen a continuación son enlaces de afiliados. Nunca incrementan el precio de venta al público, por el contrario, lo disminuyen si se trata de ofertas. Ayudan al sostenimiento económico de este sitio. En todo caso, buscaremos la oferta más barata para ti, pero si sabes de otra mejor, aprovéchala.

A la hora de conseguir nuestro equipo para montar nuestro home studio, tenemos dos opciones: comprarlo en Internet o en un establecimiento comercial a nivel local; y estas opciones, a su vez, se dividen en dos: comprarlo nuevo o comprarlo usado.


Comprar en Internet

- Ventajas: se pueden comparar con tranquilidad precios y calidades, y puedes optar por la opción más barata.

- Inconvenientes: demora en el envío, si hay defectos la devolución o reclamación es más complicada (lo mismo que con la garantía), y frecuentemente hay que pagar gastos de envío.


Comprar a nivel local

- Ventajas: obtienes el producto de inmediato y si tiene defectos o se estropea en plazo de garantía, la gestión de la devolución o garantía suele ser inmediata y sencilla.

- Inconvenientes: el precio suele ser más caro, aunque no siempre. A veces no es posible la compra, ya que no se vende el producto que deseamos.


Comprar de primera mano tiene como ventaja el obtener un producto nuevo, sin usar, y como inconveniente, su mayor precio. Precisamente lo contrario de comprar de segunda mano, el inconveniente de tomar un producto usado, y de ventaja, su mejor precio.

Podemos comprar en Internet o a nivel local, productos nuevos o usados, pero en cuanto a estos últimos, posiblemente encontremos mejores ofertas en Internet, pero nunca se sabe, date una vuelta por las tiendas de productos usados cerca de donde vives, porque lo mismo encuentras una oferta interesante.


Tu home studio para hacer música electrónica o digital, necesitará los siguientes componentes:

- Ordenador

- Tarjeta de sonido

- Software

- Teclado controlador (o en su defecto sintetizadores)

- Mesa de mezclas

- Monitores

- Otros elementos: cajas de ritmo, secuenciadores, micrófono, mesa de mezclas, cables, etc.


Un equipo básico puede estar formado por los siguientes elementos:

- Ordenador

- Tarjeta de sonido

- Software

- Teclado controlador

- Mesa de mezclas

- Monitores

El software será objetos de otras entradas. En ésta, nos ocuparemos del equipo físico o hardware.


Vamos a ver unos vídeos, que nos orienten a la hora de montar nuestro home studio.

Es importante buscar reseñas o reviews, que son comentarios y demostraciones sobre productos. Un método sencillo para encontrarlas en Youtube es buscar: review + marca y modelo que queremos.


Sitios web que conviene visitar:

Ofertas de Amazon

Ofertas de eBay (España)

Ofertas de eBay.com

Ofertas de Thomann

Aliexpress (envíos a todo el mundo)

Banggood (envíos a todo el mundo)


Ordenador y tarjeta de sonido




Teclado controlador



Mesa de mezclas



Monitores



¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si has aprendido como montar tu home studio, su equipamiento básico, y como conseguir en la mejor proporción calidad/precio, has logrado el objetivo de esta clase práctica.


Preguntas y actividades

1.- Hazte un esquema mental realista de tus propósitos como músico digital y piensa cual es el equipo que realmente necesitas para empezar.

2.- Evita comprar compulsivamente, y escribe en un papel, todas las posibilidades que tengas.

3.- En el mismo papel anterior, entre dos opciones posibles cuando hay distintas calidades, hazte una cuadrícula comparativa de las mismas, para tomar una decisión correcta en cuanto a la compra.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Microfusa. Videocurso Cómo crear tu propio Home Studio (Curso de pago)


Música digital
Leer más

El protocolo MIDI


MIDI

Antes de la adopción del protocolo MIDI, sintetizadores, cajas de ritmos y demás dispositivos de música electrónica, no se podían conectar entre ellos, y si lo hacían era a través de control del voltaje, en el que cada marca tenía su propio protocolo.

En 1981, Sequencial Circuits, al mando de Dave Smith y Chet Wood, desarrolló un protocolo de comunicación, que no sólo permitía conectar sus aparatos, sino que podía servir para otros externos, con vocación de convertirse en estándar. En 1982 se unieron al proyecto compañías japonesas, aportando mejoras, que hicieron nacer el MIDI, Musical Instrument Digital Interface.

El protocolo MIDI permita hacer en música electrónica y digital dos cosas importantísimas. La primera, como ya se ha comentado, la comunicación entre instrumentos electrónicos, y la segunda poder almacenar las notas e instrucciones de una canción en un archivo de muy poco peso, reconocible por cualquier instrumento o programa que use MIDI. Gracias a eso, el desarrollo de la música mediante ordenadores ha sido imparable.

Un archivo MIDI no es una grabación de sonido, sino una serie de instrucciones de ejecución de una pieza musical. Gracias a ello puede ocupar hasta mil veces menos espacio. Durante la década de los 90 podían intercambiarse muchas canciones a través del poco espacio que ocupa un disquete, tan sólo 1,44 MB.

El desarrollo de software MIDI permite manipular esos archivos cambiando instrumentos y modificando el propio archivo y por tanto la canción. Existe software específico para la edición de partituras. Todo ello ayudó a desarrollar la música de videojuegos.

Los dispositivos MIDI se conectan a través de un conector DIN de 180º. Aunque el conector lleva cinco pines, en realidad sólo se usan tres, uno de tierra y dos que llevan la señal balanceada a 5 V. En algunas aplicaciones y dispositivos, los pines sobrantes llevan corriente continua para alimentación. Para evitar errores e interferencias, la máxima longitud de cable que se emplea son 15 m.

Para crear una cadena de instrumentos (daisy chain) además de las conexiones de entrada y salida (IN y OUT), se proporciona una copia de la señal de entrada (THRU). Los conmutadores y mezcladores MIDI permiten cambiar y combinar señales. Para el intercambio de señales entre ordenadores e instrumentos cada vez hay más tendencia a usar un cable de tipo USB, firewire o Ethernet.

Los controladores MIDI puede ser de varios tipos. El teclado es el más común, pero no es el único, también pueden ser baterías, de viento, de cuerda, etc., o incluso un módulo de sonido.

Los mensajes de canal actúan solamente en el canal que se determine. Puede ser mensajes de voz, basados en la interpretación (activación de una nota, cambio de timbre, etc.) y mensajes de modo(distribución de las voces internas). Los mensajes de sistema afectan a todo el sistema, no sólo a un canal. Son de tres tipos: comunes (ejemplo: afinación), de tiempo real (para secuenciadores, como mensajes de reloj), y mensajes SysEx (específicos del dispositivo). Si se dominan estos últimos, se tendrá un control total sobre el aparato que se esté usando.

Si se tienen muchos equipos conectados a través de la salida TRHU, se puede producir latencia. Para evitarlo, hay que utilizar un interface MIDI con varios puertos de salida. De esta forma con una sóla entrada se tendrán varias salidas sin latencia, y por tanto, sin retardos en la señal.


1. Historia

- Lectura: Diffusion Magazine. Historia del MIDI



2. Aplicaciones y dispositivos (Aplicaciones, Dispositivos MIDI, Especificaciones técnicas)

- Lectura: Wikipedia. MIDI



3. Mensajes MIDI

- Lectura: Hispasonic. Mensajes MIDI




Música electrónica
Leer más

La New wave electrónica


Soft Cell

Al final de la década de los 70 y principios de los 80 se produce una revolución musical en la música pop y rock, llamada New wave, en español Nueva ola, que se caracterizará por un movimiento que tendrá su énfasis en la creatividad, en la exploración de nuevas tendencias en música con sonidos creativos y melodías nuevas, y en la unión de la imagen estética de los artistas asociada a un tipo de música.

En la exploración de nuevos sonidos y melodías se intensifica el uso como instrumento innovador del sintetizador. Al contrario de otras tendencias pasadas en música electrónica, como el futurismo, el rock progresivo, o la música New Age, la Nueva ola no tiene un carácter culto, experimental o minoritario, sino todo lo contrario, posee un carácter popular, joven, principalmente basado en la estética, cayendo a veces en la superficialidad.

Otras de sus dos características es el ser un movimiento masivo y un movimiento complejo. Es masivo por la proliferación de bandas musicales y artistas, paralelamente al de casas discográficas, algunas de bajo presupuesto. En la juventud que vive la Nueva ola se produce algo que hasta el momento no se había producido: es normal y habitual formar parte de un grupo musical, y a veces hasta de varios. E incluso los jóvenes que no cantan o tocan un instrumento participan del movimiento acudiendo a conciertos, asistiendo a ensayos, creando pequeñas revistas de forma artesanal llamadas fanzines, y compartiendo tertulias y amistad con los músicos. Esta enorme proliferación de artistas y bandas trae consigo en muchos casos una enorme creatividad, pero también escasa calidad. Al final de la Nueva ola, que coincide con la década de los 90, la práctica totalidad de los grupos musicales desaparecerá.

Por otra parte, el movimiento es muy complejo, ya que en él convergen varias tendencias, de las que destacan, en cuanto a música electrónica tres: el synth pop o techno pop, el new romantic o nuevos románticos y el post-punk o after-punk.

El synth pop, llamado en su época techno pop, es una evolución del pop y del rock, en el que se explora la potencialidad de los sintetizadores para hacer música popular. Se repiten frases (ostinato) y se imitan instrumentos tradicionales o acústicos. Tienen gran influencia sobre el mismo el pop inglés y la escuela alemana de Düsseldorf (en especial Kraftwerk). Bandas míticas son Ultravox, Japan, Depeche Mode, Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), entre otras.

El new romantic o nuevos románticos es un movimiento surgido principalmente en Inglaterra a principios de los 80, con presencia en Londres. Es un movimiento muy estético, con ropa característica y a veces elegante. Se habla de la influencia de David Bowie. Grupos y artistas característicos son Visage, Spandau Ballet (sobre todo en sus inicios), Adam & the Ants, Japan, Duran Duran, John Foxx, Classix Nouveaux, Soft Cell. A veces se encuadra a Ultravox, ya que en todo caso la diferencia entre synth pop y new romantic no está claramente definida.

El post-punk, llamado en su tiempo afterpunk, surgido en la transición de los 70 a los 80, es una evolución del punk tardío en el que adoptan modas siniestras y góticas. En su vertiente de música electrónica usa sintetizadores y cajas de ritmos, en ocasiones de forma repetitiva y minimalista. Como representantes de esta última tendencia están The Cure, DAF, Joy Division, y R.E.M.

Una muestra de la creatividad de la New wave es el grupo español Aviador Dro, que surge en 1979, con influencias de Kraftwerk y Devo, pero con personalidad propia, creando un estilo único, en el que se mezclan el pop electrónico, el futurismo, la ciencia y la ciencia-ficción.

Al final de la década de los 80, la New wave agoniza. Hace tiempo que se perdió la frescura y la creatividad. La mayor parte de los jóvenes que crearon las bandas se han dado cuenta de la cruda realidad de que no pueden vivir de la música, por lo que se dedican a otras actividades. Y los que les siguen prefieren bailar o escuchar música, antes que hacer música o estar hablando de ella. Los grupos musicales que sobreviven van evolucionando y cambiando su estilo. Es el signo de los tiempos.

La música de baile electrónica irrumpe con fuerza en la segunda década de los 80s desdibujando los estilos que se habían definido, pero estos ejercerán una gran influencia sobre la música dance que irá irrumpiendo con fuerza en la segunda mitad de la década de los 80s.


1. La New Wave electrónica

- Lectura: Wikipedia. New wave
- Lectura: Wikipedia. Synth pop





2. New romantic

- Lectura: Wikipedia. New romantic




3. El Post-punk electrónico

- Lectura: Wikipedia. Post-punk



Para saber más y ampliar conocimientos

Audiciones recomendadas (canales de Youtube):

- Documental sobre el New romantic (en inglés): Parte 1 y Parte 2
Mix New romantic en DuranDuranVEVO
Top New wave 80s


Historia de la Música Electrónica
Leer más

Los dispositivos externos y el software musical


Cubase

El teclado o controlador MIDI es un dispositivo fundamental e imprescindible para introducir las notas. Entre sus características están la sensibilidad a la presión, al igual que en un piano la fuerza con la que se pulsa una tecla está relacionada con la intensidad de sonido; pospulsación o aftertouch, que se relaciona con un efecto de vibrato; ruedas de modulación, es interesante que tenga al menos dos, pitch bend o variación de altura de la nota y modulación; teclas contrapesadas o semicontrapesadas simulando las teclas de un piano; número de octavas cubiertas, aunque hay teclados de dos octavas, para no tener que andar trasponiendo lo mejor es que tenga al menos cuatro; número de faders y potenciómetros, cuantos más tenga mejor; entradas de pedal, para conectar un pedal de sostenido; y otras opciones que pueden variar según la marca.

Un sintetizador hardware es otra opción que permite tener un teclado MIDI. Sin embargo es mucho más caro y si se usan exclusivamente y mucho sus sonidos pueden llegar a cansar. En las workstations se dispone además de un secuenciador. Otros incorporan también un sampler.

Una interfaz midi multipuerto puede ser necesaria cuando se precise conectar varios dispositivos MIDI a un secuenciador. También necesitaremos un conjunto de cables MIDI y de audio.

Es importante contar con una mesa de mezclas, ya que es un aparato sumamente versátil, ya que permite mezclar audio, conectar auriculares, micrófonos, etc. Por otra parte tampoco es un instrumental caro.

Si vamos a incorporar voces a nuestro repertorio musical necesitamos un micrófono. Estos son de tipos: dinámicos y de condensador. Los de condensador son más caros y necesitan una alimentación especial (phantom o fantasma), pero tienen mejor sensibilidad en todo el espectro de frecuencias. Si no podemos hacernos con uno, otra opción es un buen micrófono dinámico.

Los monitores de campo cercano son altavoces con una respuesta plana (igual en todo el espectro de frecuencias), distintos de los equipos para hifi o home cinema, que no recogen las frecuencias adecuadas para un estudio de grabación. Deberán colocarse equidistantes a la altura de la cabeza, 75 W es una potencia aceptable, A veces es interesantes analizar la respuesta en frecuencia, por ejemplo si componemos canciones con énfasis en los bajos, nos interesarían monitores con buena respuesta en graves. Los monitores de campo pueden activos o autoamplificados, llevando su propio sistema de amplificación, o pasivos, a los que hay que conectar un amplificador.

La oferta de software musical es amplia y variada. La opción versátil por excelencia es un secuenciador al que se pueden acoplar otros programas VST, que es el formato estándar de compatibilidad. Los programas pueden ser gratuitos o de pago. Sobre la base de un secuenciador, introduciremos sintetizadores, samplers, líneas de bajo, de ritmos, efectos, etc. En los siguientes temas se explicarán los distintos tipos de programas para crear y producir música.


1. Teclado o controlador MIDI

- Lectura: Mi Home Studio. Guía para comprar un teclado controlador MIDI



2. Interfaz MIDI y cableado

- Lectura: Wikipedia. MIDI (Conectores, Manejo de dispositivos, Interfaces)
- Lectura: Analfatécnicos. Tipos de cables y conectores
- Lectura: Wikipedia. Universal Serial Bus
- Lectura: Wikipedia. Regleta multicontactos


3. Mesa de mezclas

- Lectura: Wikipedia. Mesa de mezclas de audio



4. Micrófono

- Lectura: Wikipedia. Micrófono



5. Monitores de campo cercano

- Lectura: Future Music. Monitores de estudio, cómo configurarlos y exprimir sus posibilidades



6. Software musical

- Lectura: Wikipedia. Software de audio libre



Para saber más y ampliar conocimientos

- Vídeo: NeoRazielRecords. Tutorial de un Mixer analogico de grabacion para un home studio y su coneccion


Música digital
Leer más

Monta tu equipo de DJ. Clase práctica virtual

Equipo DJ Pioneer

Lo primero para ser DJ es tener actitud y ganas de serlo. Y lo segundo es tener el equipo. El consejo que siempre se da es que, aún teniendo dinero, no conviene al principio gastarse mucho en el mismo. Es preferible ir aumentando poco a poco.

Lo primero que hay que tener en cuenta es si vas a mezclar discos de vinilo, CDs o archivos de audio, porque de ello va a depender que tipo de equipo vas a manejar.

¿De primera o de segunda mano? Volvemos a lo de antes. Depende de tus aspiraciones. Si estás empezando y no tienes todavía claro si te a gustar hasta el punto de meterte de lleno a ello, deberías de considerar la compra de equipo de segunda mano. Sin embargo, si te has decidido por esta opción, debes de cerciorarte que lo que vas a comprar va a estar en buenas condiciones y te va a satisfacer. Muchos equipos de los que se venden de segunda mano en portales como ebay están muy usados y a veces sucios. La suciedad es el menor de los problemas, ya que se pueden limpiar; es peor que no funcionen correctamente. No dudes en contactar con el vendedor para que te aclare los mínimos detalles sobre el producto que vendes. Tampoco hay que caer en la desconfianza excesiva: la mayor parte de los compradores de productos de segunda mano están satisfechos con la compra.

A la hora de hacerte con tu equipo de DJ y montarlo, conviene tener dos cosas muy claras: la primera es claramente condicionante: el dinero del que dispongamos, si no lo tenemos, no lo podemos pintar; y la segunda, las perspectivas que tengas, si quieres probar en esto del turnablism o tienes ya muy claro que va a ser tu vida.

Hay quien piensa que se puede gastar mucho dinero, porque en seguida lo va a recuperar en una cuantas sesiones. Cada uno en su casa sabe lo que se asa, pero muchos se han dado un batacazo pensando así, tú sabrás mejor que nadie, pero en todo caso, recomendamos empezar con poco presupuesto y luego ir subiendo, a medida que crezca tu actividad.


Introducción

- Lectura: CUVSI. El equipo del DJ


Qué vamos a hacer

Aprender a buscar las mejores ofertas y opciones para conseguir nuestro equipo de DJ al mejor precio posible


Qué necesitamos

Una conexión a Internet, movernos cuando sea necesario y ¡mucho entusiasmo!


Desarrollo de la clase práctica

Nota: varios enlaces que aparecen a continuación son enlaces de afiliados. Nunca incrementan el precio de venta al público, por el contrario, lo disminuyen si se trata de ofertas. Ayudan al sostenimiento económico de este sitio. En todo caso, buscaremos la oferta más barata para ti, pero si sabes de otra mejor, aprovéchala.

A la hora de conseguir nuestro equipo de DJ, tenemos dos opciones: comprarlo en Internet o en un establecimiento comercial a nivel local; y estas opciones, a su vez, se dividen en dos: comprarlo nuevo o comprarlo usado.


Comprar en Internet

- Ventajas: se pueden comparar con tranquilidad precios y calidades, y puedes optar por la opción más barata.

- Inconvenientes: demora en el envío, si hay defectos la devolución o reclamación es más complicada (lo mismo que con la garantía), y frecuentemente hay que pagar gastos de envío.


Comprar a nivel local

- Ventajas: obtienes el producto de inmediato y si tiene defectos o se estropea en plazo de garantía, la gestión de la devolución o garantía suele ser inmediata y sencilla.

- Inconvenientes: el precio suele ser más caro, aunque no siempre. A veces no es posible la compra, ya que no se vende el producto que deseamos.


Comprar de primera mano tiene como ventaja el obtener un producto nuevo, sin usar, y como inconveniente, su mayor precio. Precisamente lo contrario de comprar de segunda mano, el inconveniente de tomar un producto usado, y de ventaja, su mejor precio.

Podemos comprar en Internet o a nivel local, productos nuevos o usados, pero en cuanto a estos últimos, posiblemente encontremos mejores ofertas en Internet, pero nunca se sabe, date una vuelta por las tiendas de productos usados cerca de donde vives, porque lo mismo encuentras una oferta interesante.


Antes de seguir, tienes que responder a tres cuestiones:

1) ¿Vas a pinchar vinilo o CDs?

2) ¿Vas a usar controlador mezclador DJ?

3) ¿Vas a necesitar megafonía?


Vamos a mostrar un equipo base o para principiantes, que va a estar compuesto de los siguientes elementos:

- Controlador mezclador DJ

- Ordenador portátil

- Auriculares

- Altavoces

Las canciones y los programas serán objeto de otra clase práctica virtual.


Vamos a leer y ver unos vídeos, que nos orienten a la hora de comprar nuestro primero equipo de DJ.

- Lectura: Actual JD. Equipo DJ para empezar

- Lectura: WikiHow. Comprar tu primer equipo para DJ


Es importante buscar reseñas o reviews, que son comentarios y demostraciones sobre productos, como este ejemplo. Un método sencillo para encontrarlas en Youtube es buscar: review + marca y modelo que queremos.

Sitios web que conviene visitar:

- Ofertas de Amazon

- Ofertas de eBay (España)

- Ofertas de eBay.com

- Ofertas de Thomann

- Aliexpress (envíos a todo el mundo)

- Banggood (envíos a todo el mundo)


Controlador mezclador DJ




Mesa de mezclas



Auriculares



Ordenador y tarjeta de sonido



¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si has aprendido como es el equipo del DJ, su equipamiento básico, y como conseguir en la mejor proporción calidad/precio, has logrado el objetivo de esta clase práctica.


Preguntas y actividades

1.- Hazte un esquema mental realista de tus propósitos como DJ y piensa cual es el equipo que realmente necesitas para empezar.

2.- Evita comprar compulsivamente, y escribe en un papel, todas las posibilidades que tengas.

3.- En el mismo papel anterior, entre dos opciones posibles cuando hay distintas calidades, hazte una cuadrícula comparativa de las mismas, para tomar una decisión correcta en cuanto a la compra.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Eme DJ Blog. ¿Qué equipo comprar para empezar a pinchar?
- Lectura: Tecnología DJ. IKEA, el mejor amigo del DJ


Música DJ
Leer más

El sintetizador

Korg MS20

El sintetizador es un instrumento electrónico que produce sonidos de distintos tipos mediante síntesis, pudiendo estos imitar a un sonido existente o bien crear sonidos nuevos.

Los modernos sintetizadores electrónicos datan de finales de los 60 del siglo XX, siendo el control del voltaje ideado por Moog un hito decisivo en su desarrollo. En un principio eran monofónicos y analógicos, estaban basados en la electrónica analógica (en la que las variables pueden adoptar cualquier valor) y no en la electrónica digital (las variables adoptan valores determinados). Posteriormente llegaron los digitales y polifónicos, abaratándose los precios, aunque algunos artistas preferían y prefieren los analógicos. A partir del siglo XXI se han desarrollado los sintetizadores software o virtuales, que imitan algunos instrumentos clásicos o bien son de nueva creación.

A grandes rasgos, además de lo que indicado anteriormente, los sintetizadores analógicos producen sonidos más graves, más gruesos, mientras los de los digitales son más agudos, más finos o brillantes, aunque esto es una generalización, ya que ambos tipos de instrumentos se mueven en un amplio ámbito de frecuencias.

Existen varios tipos de síntesis de sonido, pero las más usadas son la síntesis substractiva, muy empleada en sintetizadores analógicos, que se basa en la filtración de ondas a partir de una generación de señales, y la síntesis por modulación de frecuencias o síntesis FM, empleada en sintetizadores digitales, en la que se modula una señal analógica o digital.

Otros tipos de síntesis son la síntesis por distorsión de fase (usada anteriormente por Casio y hoy prácticamente en desuso), la síntesis granular y la síntesis mediante muestras de sonido.

A partir de la adopción del protocolo MIDI, la interfaz de control (módulo o módulos) no ha de estar unido necesariamente al teclado, por lo que distinguiríamos, a grandes rasgos, dos partes en un sintetizador: la interfaz de control y el controlador, siendo el más común un teclado, aunque también puede ser una cita (ribbon), un secuenciador físico u otros. Existen sintetizadores comerciales que se venden separadamente del teclado.

Los componentes de más típicos en la interfaz de control de un sintetizador, son los VCO, osciladores controlados por voltaje, en los analógicos, que son los DCO, osciladores controlados digitalmente, en los digitales; filtros, llamados VCF en los analógicos, amplificadores, llamados VCA en los analógicos, y el LFO, oscilador de baja frecuencia, en los analógicos, para producir trémolo o vibrato. Pueden tener muchos más componentes, que aparten distorsión, resonancia, etc.

Un sintetizador puede intervenir con varios roles. Los más típicos son el synth lead, cuando lleva la melodía principal de una canción; synth pad, cuando ejecuta un acorde sostenido o sonido prolongado; synth bass, cuando lleva la línea de bajos, y como arpegiador, cuando reproduce notas en un secuencia, generalmente de un acorde (hay sintetizadores que incorporan esta función automaticamente).

El vocoder es un sintetizador de voz, en la música se usa con una fuente de sonidos como onda portadora. Para aplicaciones musicales fue desarrollado a finales de la década de los 70 del siglo XX. Se usa esporádicamente en música electrónica y música pop. No hay que confundir el vocoder con el talkbox, ya que aunque sus sonidos finales son parecidos y puede usarse en música electrónica, no es propiamente un sintetizador de sonido, sino un dispositivo electroacústico.


1. Concepto

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Introducción)


2. Historia

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Historia)


3. Diferencia entre sintetizadores analógicos y digitales

Las diferencias existentes entre ellos son las siguientes:

- Los sintetizadores analógicos están basados en la electrónica analógica, que es aquella en la que las variables pueden tomar cualquier valor, mientras los digitales se basan en la electrónica digital, que es aquella en la que las variables toman valores determinados.

- Los primeros sintetizadores eran analógicos y los segunda generación digitales, pero esto no quiere decir que todos los que sean analógicos tengan porque ser más antiguos, ya que se siguen fabricando analógicos porque en ocasiones se prefieren sus características y sonido.

- Los sintetizadores analógicos suelen ser monofónicos, mientras que los digitales son polifónicos. En un sintetizador analógico hacer que suenen dos sonidos al tiempo requiere repetir la circuitería, lo que los encarecería sobremanera.

- Los sintetizadores analógicos se desafinan más fácilmente que los digitales y son más sensibles a las variaciones de temperatura.

- El sonido de los sintetizadores analógicos es un sonido más grueso que el de los digitales, producen un sonido más rico en graves y medios, con más llenado de espacio sonoro. Los sintetizadores digitales suelen producir un sonido más agudo, más brillante, más fino.

- La programación de los sintetizadores analógicos suele ser a base de botones o perillas, mientras que la de los digitales suele ser por introducción de valores.

Los sintetizadores software tienen lógicamente las características de los sintetizadores digitales, aunque existen muchos que recrean los sintetizadores analógicos.



4. Tipos de síntesis

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Típos de síntesis)


5. Partes de un sintetizador

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Componentes, Patch, Interfaces de control)



6. Roles típicos

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Roles típicos)


7. El vocoder

- Lectura: Wikipedia. Vocoder



Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Dominio austrohúngaro. ¿Qué es un vocoder?


Música electrónica
Leer más

Síntesis por distorsión de fase

Casio VZ1, un emblemático sintetizador por distorsión de fase
Casio VZ1, un emblemático sintetizador por distorsión de fase
La síntesis por distorsión de fase fue un tipo de síntesis creada a principios de la década de los ochenta del siglo XX por Casio en sus series de sintetizadores VZ y CZ. Hoy prácticamente está abandonada, aunque está siendo retomada por programadores musicales a través de sintetizadores software.

Es similar, hasta cierto a la síntesis por modulación de frecuencia o síntesis FM, ya que ambas se basan en cambiar los armónicos de una onda portadora con otra onda moduladora, pero su procedimientos y resultados son distintos.


Procedimiento de la síntesis por distorsión de fase

Se utilizan osciladores para generar ondas, que son los DCO (Digital Controlled Oscillator). Las denominación DCO se emplea para osciladores digitales, que son estables frente a los analógicos (es una denominación de la que se ha abusado, ya que se ha empleado para cualquier oscilador intervenido digitalmente). Los DCO son modificados, sincronizadamente por ciclo, por los DCW (Digital Controlled Waveform).

El oscilador digital o DCO produce una señal periódica, que puede tener una determinada forma (sinusoidal, cuadrada, diente de sierra, triangular, etc.). La frecuencia depende de la rapidez con la que se repita en el tiempo su forma de onda. Esta onda se distorsiona con otra onda producida por los moduladores de onda DCW, con ocho formas diferentes, que corresponden a ocho formas de onda distintas, tal como se haría con el filtro de un sintetizador por síntesis substractiva (VCF, Voltage Controlled Filter). Por ejemplo, si tenemos una onda sinusoidal, y el DCW en diente de sierra es cero sólo se oirá la onda sinusoidal, pero si vamos aumentando el nivel de DCW, la onda inicial será modificada por la onda en diente de sierra, y si lo aumentamos, llegará un momento en que ni la reconozcamos como sinusoidal.

Estas ondas a su vez son modificadas por ondas resonantes, generándose una onda sinusoidal múltiplo de la frecuencia fundamental del oscilador, siendo el múltiplo según el valor DCW.

Una repetición de una onda es un ciclo. En los sintetizadores Casio de la serie CZ se puede alternar entre dos de las ocho formas de onda en cada ciclo, por ejemplo, si se elige una forma triangular y una forma cuadrada, el oscilador las alternará: triangular, cuadrada, triangular, cuadrada, y así sucesivamente. Todas las combinaciones tienen un sonido distinto.

Una buena manera de iniciarse en la síntesis por distorsión de fase es modificar los ajustes de los sonidos de fábrica o presets, o coger una onda (por ejemplo, cuadrada o diente de sierrra) e ir retocando los distintos parámetros.

Distorsión de fase

Diferencias con la síntesis por modulación de frecuencias o síntesis FM

De forma resumida, en la síntesis FM por modulación de frecuencia, al menos se usan de forma combinada dos osciladores de onda sinusoidal, pero la parte de fase no se distorsiona como en la síntesis por distorsión de fase. En esta última, basta con elegir la forma de onda y cambiar el parámetro DCW, mientras que en la síntesis FM hay que establecer las frecuencias y otros parámetros que puede producir complejas interacciones en el sonido, resultando por tanto más fácil la síntesis por distorsión de fase.

La síntesis por distorsión de fase es más limitada porque siempre usa moduladores que están en la misma frecuencia que la onda portadora, o a veces en un múltiplo de su frecuencia. En cambio, en la síntesis FM, el aumento de la frecuencia de la onda triangular, por ejemplo, produce un efecto complejo en la distorsión de fase. En comparación con la síntesis substractiva, usada en sintetizadores analógicos, la síntesis FM es más efectiva, pero menos controlable en cuanto al espectro que se genera.

En realidad, no hay grandes diferencias entra la síntesis por distorsión de fase y la síntesis FM. Se podría decir que la síntesis por distorsión de fase sería una forma especial de la síntesis por modulación de fase.

La síntesis por distorsión de fase es más limitada que la síntesis FM porque siempre usa moduladores que están en la misma frecuencia o en un múltiplo de la señal portadora. Por contra, aunque la síntesis por modulación de fase ofrezca más posibilidades que la síntesis por distorsión de fase, es una síntesis más compleja, más impredecible y menos fácil de aprender que la síntesis por distorsión de fase.

Los sonidos generados por síntesis por distorsión de fase son agradables sobre todo en sonidos percusivos, metálicos, campanas y bajos sintetizados.




Soñando mundos
Leer más

El ordenador musical y la tarjeta de sonido

Estudio casero de música digital

Aunque antes existía, se puede decir que a mediados de la década de los 80 es cuando se produce el desarrollo en hardware musical, principalmente de la mano de Creative Technology, que poco después se llamaría Creative Labs, madurando con la creación de las tarjetas de sonido Sound Blaster, habiendo desde entonces una evolución imparable, tanto en hardware como en software, en cuanto este último hay que destacar la salida al mercado por la empresa alemana Steinberg en 1996 del programa Cubase VST, siendo el primer secuenciador con grabación audio basado por completo en el ordenador, además la creación del estándar VST supondría la consolidación de la música digital.

Hay que tener en cuenta que no es lo mismo un ordenador y una tarjeta de sonido para jugar que para hacer música. Una tarjeta de sonido para jugar puede ser excelente y ser cara, pero sus características van enfocadas a los efectos y a la sensación de realidad más que a la música.

En cuanto a las características del ordenador lo de menos es que sea Macintosh o PC, ya que actualmente hay aplicaciones para ambos, y lo importante es que tenga buena velocidad, que está directamente relacionado con la velocidad del microprocesador y la RAM. Por tanto, cuanto más potente en este sentido mejor, con el fin de tener menos problemas con la latencia, que se produce, entre otros casos, cuando se toca con un teclado muy deprisa notas cortas y no da tiempo a procesar los sonidos, produciéndose un retardo.

Actualmente las tarjetas de sonidos de sonido se hallan integradas en las placas base de los ordenadores. Pero en todo caso, si se va a usar el ordenador para producir música, se ha optar por una tarjeta de sonido independiente de la integrada en la placa base, ya que las prestaciones y la calidad de esta son muy inferiores.

La capacidad de almacenamiento de un ordenador musical ha de ser muy elevada, ya que las samples y las canciones ocupan mucho espacio, sobre todo si están en formato wav. No obstante, este obstáculo se puede superar fácilmente con los discos duros portátiles, que actualmente se han abaratado al tiempo que han aumentado en prestaciones.

A pesar de que los programas musicales no son de diseño, dibujo o tratamiento de imagen, al igual que en estos casos, conviene que el monitor sea lo más grande posible, ya que hay que manejar simultáneamente gran cantidad de información en pantalla y si este no es grande vamos a tener que andar de continuo con movimientos y desplazamientos para ver información.

La tarjeta de sonido posiblemente es el elemento más crítico en un ordenador para producción musical. Evidentemente cuanta mayor sea su calidad mucho mejor, pero también hay que conseguir un equilibrio entre nuestras posibilidades económicas, las prestaciones que necesitamos y las perspectivas de futuro que hayamos puesto en la música.

Las tarjetas de sonido pueden ser internas o externas. Es preferible una interna, ya que la conexión al ordenador es directa, son más baratas y suelen dar menos latencia. Sin embargo, la externa tiene la ventaja de la portabilidad, se puede llevar a cualquier lugar o cambiar de ordenador facilmente. La conexión de estas puede ser por USB, Firewire o Thunderbolt, siendo preferible estas dos últimas, aunque normalmente suelen ser más caras.

Las entradas y salidas físicas de la tarjeta de sonido son importantes si vamos a usar varias voces o instrumentos, y aunque se puede solucionar con una mesa de mezclas siempre es mejor tenerlo en cuenta. Si, en cambio, tenemos pensado secuenciar pistas con instrumentos virtuales y archivos MIDI, sin fuentes externas, no bastaría una tarjeta de sonido con una entrada y una salida estéreo.

Es conveniente que la tarjeta de sonido posea puertos MIDI, ya que muchas de ellas no los tienen, suponiendo que el usuario cuenta con una interfaz MIDI independiente. En todo caso es conveniente que cuente con MIDI IN y MIDI OUT.

Los controladores o drivers son los archivos por los que el ordenador se comunica con la tarjeta de sonido. Existen unos controladores genéricos de Windows: WASAPI, Direct Sound o MME, que son los que permiten que ordenador pueda emitir sonidos, pero estos controladores, aunque la calidad del sonido sea buena, están pensados de cara al propio ordenador o a los juegos, no a la música.

La empresa alemana Steinberg creó una alternativa a estos controladores genéricos, centrada en la música, son los controladores ASIO, que pueden acceder a múltiples entradas y salidas de forma simultánea, permiten una comunicación de alta velocidad entre la tarjeta de sonido y los programas, y reducen el retardo o latencia.


1. El ordenador

- Lectura: Wikipedia. Computadora (Componentes)



2. La tarjeta de sonido

- Lectura: Wikipedia. Tarjeta de sonido



3. Drivers

- Lectura: Wikipedia. Manejador de dispositivo


4. ASIO

- Lectura: Wikipedia. Audio Stream Input/Output


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Future Music. Discos SSD para producción musical
- Lectura: Mi Home Studio. El ordenador
- Vídeo: Tiendas APP. ¿Qué es una tarjeta de sonido?
- Vídeo: Latiandro. ¿Qué tipo de tarjeta me compro?


Música digital
Leer más

Los primeros tiempos del sintetizador

Pink Floyd
Pink Floyd
Tras las primeras fases experimentales en los inicios de la música electrónica, llegó el descubrimiento del sintetizador y con ello cambió todo. Era un instrumento nuevo, abierto a todo tipo de posibilidades, y por tanto, en sus inicios, hubo numerosos grupos musicales que experimentaron con él.

Los primeros tiempos de andadura del sintetizador, inicios de la década de los 70 del siglo XX, coinciden con el desarrollo del movimiento hippie, movimiento contracultural, pacifista, libertario, con influencias naturistas. La imaginación de mundos exóticos o de fantasía, y la influencia de los sueños o las drogas, podían ser evocadas por los sonidos que salían de un sintetizador, ya que con este podían crearse sonidos extraños, que no existían o no eran comunes en la Naturaleza.

El rock psicodélico nace en el entorno hippie, en el que por un lado se potencian experiencias con drogas como el LSD y por otro se exploran nuevas culturas, por ello conviven en este estilo instrumentos electrónicos, como el sintetizador, con instrumentos tradicionales del folklore, como el sitar indio.

A partir del rock psicodélico se desarrolla el rock progresivo, que intenta mejorar las composiciones musicales, inspirándose además en el música clásica o el jazz. Por otra parte, la música New Age, intenta crear atmósferas musicales, basándose en sintetizadores y secuenciadores electrónicos, unidos a instrumentos acústicos, como flautas, violines o guitarras, siendo una música unida al ecologismo y a la espiritualidad. Dentro de la música New Age, destaca la llamada Escuela de Berlín, que tiene como centro la ciudad alemana de Berlín.

Las diferencias entre rock psicodélico, rock progresivo y música New Age, no están bien definidas, ni se puede hacer una separación tajante de estilos. Un mismo grupo o banda musical puede evolucionar, y varias de sus canciones pueden encajarse en un estilo u otro o en varios, o considerarse simplemente rock. La música New Age y la Escuela de Berlín se tratarán en una entrada aparte, al ser una evolución y tener características propias e influencia posterior.

Como bandas míticas de rock psicodélico y progresivo, podemos citar, entre otras, a Pink Floyd y Yes, y dentro del rock progresivo a Mike Olfield y Génesis.

A todo ello, suele contraponerse, aunque es contemporánea en el tiempo, la Escuela de Düsseldorf de música electrónica, en la que se emplean, además de sintetizadores, sonidos sintetizados de bajo y batería. Kraftwerk ocasionó mucha influencia posterior en la música de los 80 y Neu! fue famosa por sus experimentaciones musicales.


1. El rock psicodélico

- Lectura: Wikipedia. Rock psicodélico



2. El rock progresivo

- Lectura: Wikipedia. Rock progresivo



3. Escuela de Düsseldorf

- Lectura: Wikipedia. Escuela de Düsseldorf de música electrónica



Historia de la música electrónica
Leer más

Programación de un sintetizador. Clase práctica virtual

Sintetizador

Programar un sintetizador es lograr el sonido que deseamos. Ese sonido puede ser uno existente, entonces sería una imitación, o lograr un sonido completamente nuevo, entonces sería una creación.

A la hora de programar un sintetizador, en líneas generales, será distinto si es un sintetizador analógico o si es un sintetizador digital. Si es un sintetizador analógico normalmente se hará moviendo los botones o perillas y es uno digital será introduciendo los valores correspondientes. La diferencia es menor si es un sintetizador físico o hardware o si es uno virtual o software, ya que estos últimos son una emulación o imitación de los anteriores.

Un aspecto importantísimo a la hora de programar un sintetizador es aprenderse el manual de instrucciones, ya que es fundamental conocer, sobre todo en uno digital, como se introducen los valores.

En esta práctica o sesión es mostrar las bases de la síntesis de sonidos para la creación musical.


Introducción

- Lectura: Emilia Gómez Gutierrez. Introducción a la Síntesis de Sonidos (pdf)




Qué vamos a hacer

- Lectura: Aprende gratis. Introducción a la síntesis de sonido


Qué necesitamos

Necesitamos un sintetizador físico o hardware. Si no lo tenemos, podemos usar un sintetizador virtual o software.

Si no tenemos un sintetizador físico, ni estamos familiarizados con los sintetizadores software, tenemos otras opciones.

- Descargar el sintetizador virtual Soundforum. Se toca con el teclado del ordenador. También valdría cualquier programa similar.

- Usar un sintetizador online. Estos son algunos de los que se pueden utilizar:


Audiosauna

Se tocan las notas en el teclado con el ratón


g200kg

Sintetizador modular con varias opciones de presentación. Se toca con el ratón sobre el teclado que aparece.


Sympathetic Synthesizer System Mk 1

Imita a un sintetizador basado en el chip SID, usado para crear música de videojuegos en las décadas de los 80 y 90. El teclado se puede usar tanto con el ratón como con el teclado del ordenador.


Webitaur

Sintetizador online con predominancia de sonidos graves. Se puede tocar con el ratón sobre su teclado o también con el teclado del ordenador.


Webotribe

Emulación del sintetizador físico Korg Monotribe. Se toca sobre el ratón sobre la cinta teclado que aparece.


Desarrollo de la clase práctica

En esta clase práctica, lo primero que vamos a hacer va a ser encender nuestro sentetizador real o virtual, o abrir uno online. Una vez que lo tenemos hecho vamos a seguir los siguientes pasos:


1) Osciladores

En los osciladores y osciladores controlados por voltaje (VCO), vamos a ir cambiando de forma de onda (sinusoidal, cuadra, triangular, diente de sierra...) y vamos a ir comprobando los cambios en el sonido pulsando distintas notas. Si hay más de un oscilador, vamos comprobando las mezclas de las distintas ondas.


2) Filtros

En filtros y filtros controlador por voltaje (VCF), vamos a ver la diferencia en el sonido modificando los distintos parámetros. De todos ellos, prestaremos especial atención a la frecuencia (Freq, Cutoff frequency,...)  y resonancia (Resonance).


3) Envolvente acústica (ADSR)

Envolvente ADSR
La envolvente acústica ADSR nos define la evolución temporal del sonido cuando pulsamos una tecla o realizamos un evento del sintetizador.

- A: ataque, del inglés attack. Nada más pulsar una nota delimita como el sonido aumenta de nivel. Por ejemplo, si queremos imitar un piano, al pulsar una tecla el mecanismo de percusión golpea de repente una cuerda, por lo que prácticamente no hay ataque ya que al pulsar una tecla inmediatamente hay sonido; en cambio, en una flauta o en órgano, el aire va entrando y generando el sonido aumentando progresivamente de volumen, por lo que el ataque será elevado.

- D: caída o decaimiento, del inglés decay. Tras el sonido inicial, muestra su siguiente evolución. En un piano, tras la subida inicial, el sonido decae rápidamente, mientras en una guitarra la vibración continuaría más tiempo.

- S: sostenimiento, del inglés sustain. Nos muestra que ocurre cuando una tecla continúa pulsada. En un piano, el sonido se iría extinguiendo (sostenimiento corto), mientras que en el órgano continua mientras siga pulsada (sostenimiento largo). A veces los botones D y S pueden ir unidos.

- R: extinción, del inglés release. Es el sonido que se da cuando se deja de pulsar una tecla. En el piano continuaría por un breve espacio de tiempo, que sería más largo en la guitarra, mientras el órgano dejaría de sonar una vez que no se pulse la tecla, no tendría prácticamente sostenimiento.

Iremos modificando los parámetros A, D, S y R y comprobaremos pulsando teclas como influyen sobre la dinámica del sonido.


4) LFO

El oscilador de baja frecuencia (LFO) introduce un ritmo en el sonido, siendo útil cuando se quieren crear sonidos percusivos, ondulantes o complejos.

Modularemos la onda de sonido con el LFO eligiendo un tipo de onda determinada (triangular, cuadrada, etc.) y modificando los valores de la frecuencia, ratio o velocidad u otros valores si existen.


5) Amplificadores y efectos

Por último, iremos modificando valores en el amplificador controlado por voltaje (VCA) y si el sintetizador tiene efectos adicionales, también comprobaremos los cambios que se producen tras la modificación de sus valores.

Ajustaremos el volumen, y otros parámetros que hubiere, así como si existen efectos como ruido, chorus, distorsión, etc.


En un sintetizador analógico físico o uno virtual se pueden modificar estos valores con el sonido vivo, mientras que en muchos sintetizadores digitales físicos hay que modificar los valores a priori, lo que lleva más tiempo, pero también ayuda a conocer mejor como funciona el aparato.


¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si sabes la función de cada uno de los módulos y botones del sintetizador y cómo modifican el sonido, has logrado el objetivo de esta clase práctica.

Saber programar adecuadamente un sintetizador no es nada fácil, se necesitan muchas horas, y sobre todo, práctica, práctica y práctica.

Hay que tener en cuenta que cada modelo es distinto y tiene sus pecualiaridades, por lo que hay que conocerlo a fondo. Conviene leer con calma el manual de instrucciones y de vez en cuando volverlo a leer, porque, si este es bueno, siempre se sacan más cosas en claro.


Preguntas y actividades

1) Piensa en el sonido natural de un instrumento musical, como por ejemplo, un violín, una trompeta, una flauta y un oboe. Estas son sus ondas:

Ondas de instrumentos musicales
Ondas de instrumentos musicales (tomado del libro Acoustics
and Psychoacoustics de David Howard y Jamie Angus
( http://www.embedded.com/print/4015870)

Partiendo de la forma de las ondas, ¿qué harías en el sintetizador para imitarlos?

2) En el caso anterior, ¿cómo influiría la envolvente ADSR y qué valores tendría?

3) Observa la siguiente imagen que muestra una nota musical teóricamente  pura y la misma nota con ruido, por la posible deficiencia del instrumento, muchos armónicos u otras causas:


¿Cómo podrías imitar la onda con ruido en el sintetizador? Te doy dos pistas: LFO y ruido

4) Deja volar tu imaginación, imagina un sonido raro o con el que alguna vez soñaste. Intenta conseguirlo o al menos aproximarte a él con el sintetizador. Cambia formas de ondas, cambia frecuencias,. modifica la envolvente, etc.

5) Los sintetizadores digitales y software suelen llevar sonidos predeterminados o presets. Modifica uno que te guste y guárdalo. Un tipo de síntesis es la síntesis por muestreo o sampling, en la que se captura un sonido y luego se modifica.

6) ¿Cómo guardarías los sonidos qué has creado? En los sintetizadores analógicos había y hay unas plantillas en blanco con los elementos del sintetizador en los que se se anotaba con lápiz o bolígrafo los distintos valores, a veces simplemente haciendo rayas sobre los dibujos de las perillas o botones rotatorios. Existían y existen plantillas similares para los sintetizadores digitales, teniendo normalmente forma de cuadrículas en las que se introducen los distintos valores. En estos últimos frecuentemente se pueden guardar los sonidos en la memoria interna o en unidades de memoria externa.

Otra manera posible de guardar como se realizan sonidos en un sintetizador analógico es hacer una foto de los botones con un teléfono móvil. ¿Se te ocurren otras?

7) Esto para investigar en libros, revistas o en Internet. ¿Cómo se pueden guardar los sonidos de un sintetizador digital en un ordenador? Existen programas para hacerlo, distintos según sea el tipo de sintetizador.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: CCÄPITALIA.net. Síntesis y generación digital de sonido
- Lectura: Musical Wars. ¿Conocías Todos estos Tipos de Síntesis de Sonido?


Música electrónica
Leer más