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Monta tu home studio


Home studio

Si vas a crear cualquier tipo de música electrónica, necesitas montarte tu estudio musical en caso o home studio. Este home studio va a ser distinto si lo orientas a música electrónica con instrumentos hardware (sintetizadores, cajas de ritmo, etc.), o a música digital con ordenador, o música DJ. Respecto a la cantidad de dinero que te tienes que gastar, el consejo de prácticamente todos los expertos es empezar poco a poco, gastándote el menor dinero posible, y si vas entrando de lleno ir aumentado las posibilidades y el equipo.

Respecto a la adquisición de equipo, es conveniente leer esta entrada, que trata sobre ello. Lógicamente, nuestro presupuesto condicionará el gasto en el mismo, pero se puede ir empezando poco a poco. No es necesario, ni conveniente, al principio, gastarse una gran cantidad de dinero. Ya sea de primera o de segunda mano, el equipo debe estar en buenas condiciones. Aunque es difícil, no nos engañemos, ganar dinero con la música, en principio debemos considerar que de entrada no lo vamos a hacer, por lo que no conviene empeñarse o pedir dinero prestado para este fin.


Introducción

- Lectura: Hispasonic. Monta tu propio home-studio




Qué vamos a hacer

Aprender a buscar las mejores ofertas y opciones para montar nuestro home studio al mejor precio posible


Qué necesitamos

Un lugar que hemos elegido donde vamos a vivir momentos increíbles y apasionantes con la música, una conexión a Internet, movernos cuando sea necesario y ¡mucho entusiasmo!


Desarrollo de la clase práctica

Nota: varios enlaces que aparecen a continuación son enlaces de afiliados. Nunca incrementan el precio de venta al público, por el contrario, lo disminuyen si se trata de ofertas. Ayudan al sostenimiento económico de este sitio. En todo caso, buscaremos la oferta más barata para ti, pero si sabes de otra mejor, aprovéchala.

A la hora de conseguir nuestro equipo para montar nuestro home studio, tenemos dos opciones: comprarlo en Internet o en un establecimiento comercial a nivel local; y estas opciones, a su vez, se dividen en dos: comprarlo nuevo o comprarlo usado.


Comprar en Internet

- Ventajas: se pueden comparar con tranquilidad precios y calidades, y puedes optar por la opción más barata.

- Inconvenientes: demora en el envío, si hay defectos la devolución o reclamación es más complicada (lo mismo que con la garantía), y frecuentemente hay que pagar gastos de envío.


Comprar a nivel local

- Ventajas: obtienes el producto de inmediato y si tiene defectos o se estropea en plazo de garantía, la gestión de la devolución o garantía suele ser inmediata y sencilla.

- Inconvenientes: el precio suele ser más caro, aunque no siempre. A veces no es posible la compra, ya que no se vende el producto que deseamos.


Comprar de primera mano tiene como ventaja el obtener un producto nuevo, sin usar, y como inconveniente, su mayor precio. Precisamente lo contrario de comprar de segunda mano, el inconveniente de tomar un producto usado, y de ventaja, su mejor precio.

Podemos comprar en Internet o a nivel local, productos nuevos o usados, pero en cuanto a estos últimos, posiblemente encontremos mejores ofertas en Internet, pero nunca se sabe, date una vuelta por las tiendas de productos usados cerca de donde vives, porque lo mismo encuentras una oferta interesante.


Tu home studio para hacer música electrónica o digital, necesitará los siguientes componentes:

- Ordenador

- Tarjeta de sonido

- Software

- Teclado controlador (o en su defecto sintetizadores)

- Mesa de mezclas

- Monitores

- Otros elementos: cajas de ritmo, secuenciadores, micrófono, mesa de mezclas, cables, etc.


Un equipo básico puede estar formado por los siguientes elementos:

- Ordenador

- Tarjeta de sonido

- Software

- Teclado controlador

- Mesa de mezclas

- Monitores

El software será objetos de otras entradas. En ésta, nos ocuparemos del equipo físico o hardware.


Vamos a ver unos vídeos, que nos orienten a la hora de montar nuestro home studio.

Es importante buscar reseñas o reviews, que son comentarios y demostraciones sobre productos. Un método sencillo para encontrarlas en Youtube es buscar: review + marca y modelo que queremos.


Sitios web que conviene visitar:

Ofertas de Amazon

Ofertas de eBay (España)

Ofertas de eBay.com

Ofertas de Thomann

Aliexpress (envíos a todo el mundo)

Banggood (envíos a todo el mundo)


Ordenador y tarjeta de sonido




Teclado controlador



Mesa de mezclas



Monitores



¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si has aprendido como montar tu home studio, su equipamiento básico, y como conseguir en la mejor proporción calidad/precio, has logrado el objetivo de esta clase práctica.


Preguntas y actividades

1.- Hazte un esquema mental realista de tus propósitos como músico digital y piensa cual es el equipo que realmente necesitas para empezar.

2.- Evita comprar compulsivamente, y escribe en un papel, todas las posibilidades que tengas.

3.- En el mismo papel anterior, entre dos opciones posibles cuando hay distintas calidades, hazte una cuadrícula comparativa de las mismas, para tomar una decisión correcta en cuanto a la compra.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Microfusa. Videocurso Cómo crear tu propio Home Studio (Curso de pago)


Música digital
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El protocolo MIDI


MIDI

Antes de la adopción del protocolo MIDI, sintetizadores, cajas de ritmos y demás dispositivos de música electrónica, no se podían conectar entre ellos, y si lo hacían era a través de control del voltaje, en el que cada marca tenía su propio protocolo.

En 1981, Sequencial Circuits, al mando de Dave Smith y Chet Wood, desarrolló un protocolo de comunicación, que no sólo permitía conectar sus aparatos, sino que podía servir para otros externos, con vocación de convertirse en estándar. En 1982 se unieron al proyecto compañías japonesas, aportando mejoras, que hicieron nacer el MIDI, Musical Instrument Digital Interface.

El protocolo MIDI permita hacer en música electrónica y digital dos cosas importantísimas. La primera, como ya se ha comentado, la comunicación entre instrumentos electrónicos, y la segunda poder almacenar las notas e instrucciones de una canción en un archivo de muy poco peso, reconocible por cualquier instrumento o programa que use MIDI. Gracias a eso, el desarrollo de la música mediante ordenadores ha sido imparable.

Un archivo MIDI no es una grabación de sonido, sino una serie de instrucciones de ejecución de una pieza musical. Gracias a ello puede ocupar hasta mil veces menos espacio. Durante la década de los 90 podían intercambiarse muchas canciones a través del poco espacio que ocupa un disquete, tan sólo 1,44 MB.

El desarrollo de software MIDI permite manipular esos archivos cambiando instrumentos y modificando el propio archivo y por tanto la canción. Existe software específico para la edición de partituras. Todo ello ayudó a desarrollar la música de videojuegos.

Los dispositivos MIDI se conectan a través de un conector DIN de 180º. Aunque el conector lleva cinco pines, en realidad sólo se usan tres, uno de tierra y dos que llevan la señal balanceada a 5 V. En algunas aplicaciones y dispositivos, los pines sobrantes llevan corriente continua para alimentación. Para evitar errores e interferencias, la máxima longitud de cable que se emplea son 15 m.

Para crear una cadena de instrumentos (daisy chain) además de las conexiones de entrada y salida (IN y OUT), se proporciona una copia de la señal de entrada (THRU). Los conmutadores y mezcladores MIDI permiten cambiar y combinar señales. Para el intercambio de señales entre ordenadores e instrumentos cada vez hay más tendencia a usar un cable de tipo USB, firewire o Ethernet.

Los controladores MIDI puede ser de varios tipos. El teclado es el más común, pero no es el único, también pueden ser baterías, de viento, de cuerda, etc., o incluso un módulo de sonido.

Los mensajes de canal actúan solamente en el canal que se determine. Puede ser mensajes de voz, basados en la interpretación (activación de una nota, cambio de timbre, etc.) y mensajes de modo(distribución de las voces internas). Los mensajes de sistema afectan a todo el sistema, no sólo a un canal. Son de tres tipos: comunes (ejemplo: afinación), de tiempo real (para secuenciadores, como mensajes de reloj), y mensajes SysEx (específicos del dispositivo). Si se dominan estos últimos, se tendrá un control total sobre el aparato que se esté usando.

Si se tienen muchos equipos conectados a través de la salida TRHU, se puede producir latencia. Para evitarlo, hay que utilizar un interface MIDI con varios puertos de salida. De esta forma con una sóla entrada se tendrán varias salidas sin latencia, y por tanto, sin retardos en la señal.


1. Historia

- Lectura: Diffusion Magazine. Historia del MIDI



2. Aplicaciones y dispositivos (Aplicaciones, Dispositivos MIDI, Especificaciones técnicas)

- Lectura: Wikipedia. MIDI



3. Mensajes MIDI

- Lectura: Hispasonic. Mensajes MIDI




Música electrónica
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La New wave electrónica


Soft Cell

Al final de la década de los 70 y principios de los 80 se produce una revolución musical en la música pop y rock, llamada New wave, en español Nueva ola, que se caracterizará por un movimiento que tendrá su énfasis en la creatividad, en la exploración de nuevas tendencias en música con sonidos creativos y melodías nuevas, y en la unión de la imagen estética de los artistas asociada a un tipo de música.

En la exploración de nuevos sonidos y melodías se intensifica el uso como instrumento innovador del sintetizador. Al contrario de otras tendencias pasadas en música electrónica, como el futurismo, el rock progresivo, o la música New Age, la Nueva ola no tiene un carácter culto, experimental o minoritario, sino todo lo contrario, posee un carácter popular, joven, principalmente basado en la estética, cayendo a veces en la superficialidad.

Otras de sus dos características es el ser un movimiento masivo y un movimiento complejo. Es masivo por la proliferación de bandas musicales y artistas, paralelamente al de casas discográficas, algunas de bajo presupuesto. En la juventud que vive la Nueva ola se produce algo que hasta el momento no se había producido: es normal y habitual formar parte de un grupo musical, y a veces hasta de varios. E incluso los jóvenes que no cantan o tocan un instrumento participan del movimiento acudiendo a conciertos, asistiendo a ensayos, creando pequeñas revistas de forma artesanal llamadas fanzines, y compartiendo tertulias y amistad con los músicos. Esta enorme proliferación de artistas y bandas trae consigo en muchos casos una enorme creatividad, pero también escasa calidad. Al final de la Nueva ola, que coincide con la década de los 90, la práctica totalidad de los grupos musicales desaparecerá.

Por otra parte, el movimiento es muy complejo, ya que en él convergen varias tendencias, de las que destacan, en cuanto a música electrónica tres: el synth pop o techno pop, el new romantic o nuevos románticos y el post-punk o after-punk.

El synth pop, llamado en su época techno pop, es una evolución del pop y del rock, en el que se explora la potencialidad de los sintetizadores para hacer música popular. Se repiten frases (ostinato) y se imitan instrumentos tradicionales o acústicos. Tienen gran influencia sobre el mismo el pop inglés y la escuela alemana de Düsseldorf (en especial Kraftwerk). Bandas míticas son Ultravox, Japan, Depeche Mode, Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), entre otras.

El new romantic o nuevos románticos es un movimiento surgido principalmente en Inglaterra a principios de los 80, con presencia en Londres. Es un movimiento muy estético, con ropa característica y a veces elegante. Se habla de la influencia de David Bowie. Grupos y artistas característicos son Visage, Spandau Ballet (sobre todo en sus inicios), Adam & the Ants, Japan, Duran Duran, John Foxx, Classix Nouveaux, Soft Cell. A veces se encuadra a Ultravox, ya que en todo caso la diferencia entre synth pop y new romantic no está claramente definida.

El post-punk, llamado en su tiempo afterpunk, surgido en la transición de los 70 a los 80, es una evolución del punk tardío en el que adoptan modas siniestras y góticas. En su vertiente de música electrónica usa sintetizadores y cajas de ritmos, en ocasiones de forma repetitiva y minimalista. Como representantes de esta última tendencia están The Cure, DAF, Joy Division, y R.E.M.

Una muestra de la creatividad de la New wave es el grupo español Aviador Dro, que surge en 1979, con influencias de Kraftwerk y Devo, pero con personalidad propia, creando un estilo único, en el que se mezclan el pop electrónico, el futurismo, la ciencia y la ciencia-ficción.

Al final de la década de los 80, la New wave agoniza. Hace tiempo que se perdió la frescura y la creatividad. La mayor parte de los jóvenes que crearon las bandas se han dado cuenta de la cruda realidad de que no pueden vivir de la música, por lo que se dedican a otras actividades. Y los que les siguen prefieren bailar o escuchar música, antes que hacer música o estar hablando de ella. Los grupos musicales que sobreviven van evolucionando y cambiando su estilo. Es el signo de los tiempos.

La música de baile electrónica irrumpe con fuerza en la segunda década de los 80s desdibujando los estilos que se habían definido, pero estos ejercerán una gran influencia sobre la música dance que irá irrumpiendo con fuerza en la segunda mitad de la década de los 80s.


1. La New Wave electrónica

- Lectura: Wikipedia. New wave
- Lectura: Wikipedia. Synth pop





2. New romantic

- Lectura: Wikipedia. New romantic




3. El Post-punk electrónico

- Lectura: Wikipedia. Post-punk



Para saber más y ampliar conocimientos

Audiciones recomendadas (canales de Youtube):

- Documental sobre el New romantic (en inglés): Parte 1 y Parte 2
Mix New romantic en DuranDuranVEVO
Top New wave 80s


Historia de la Música Electrónica
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Los dispositivos externos y el software musical


Cubase

El teclado o controlador MIDI es un dispositivo fundamental e imprescindible para introducir las notas. Entre sus características están la sensibilidad a la presión, al igual que en un piano la fuerza con la que se pulsa una tecla está relacionada con la intensidad de sonido; pospulsación o aftertouch, que se relaciona con un efecto de vibrato; ruedas de modulación, es interesante que tenga al menos dos, pitch bend o variación de altura de la nota y modulación; teclas contrapesadas o semicontrapesadas simulando las teclas de un piano; número de octavas cubiertas, aunque hay teclados de dos octavas, para no tener que andar trasponiendo lo mejor es que tenga al menos cuatro; número de faders y potenciómetros, cuantos más tenga mejor; entradas de pedal, para conectar un pedal de sostenido; y otras opciones que pueden variar según la marca.

Un sintetizador hardware es otra opción que permite tener un teclado MIDI. Sin embargo es mucho más caro y si se usan exclusivamente y mucho sus sonidos pueden llegar a cansar. En las workstations se dispone además de un secuenciador. Otros incorporan también un sampler.

Una interfaz midi multipuerto puede ser necesaria cuando se precise conectar varios dispositivos MIDI a un secuenciador. También necesitaremos un conjunto de cables MIDI y de audio.

Es importante contar con una mesa de mezclas, ya que es un aparato sumamente versátil, ya que permite mezclar audio, conectar auriculares, micrófonos, etc. Por otra parte tampoco es un instrumental caro.

Si vamos a incorporar voces a nuestro repertorio musical necesitamos un micrófono. Estos son de tipos: dinámicos y de condensador. Los de condensador son más caros y necesitan una alimentación especial (phantom o fantasma), pero tienen mejor sensibilidad en todo el espectro de frecuencias. Si no podemos hacernos con uno, otra opción es un buen micrófono dinámico.

Los monitores de campo cercano son altavoces con una respuesta plana (igual en todo el espectro de frecuencias), distintos de los equipos para hifi o home cinema, que no recogen las frecuencias adecuadas para un estudio de grabación. Deberán colocarse equidistantes a la altura de la cabeza, 75 W es una potencia aceptable, A veces es interesantes analizar la respuesta en frecuencia, por ejemplo si componemos canciones con énfasis en los bajos, nos interesarían monitores con buena respuesta en graves. Los monitores de campo pueden activos o autoamplificados, llevando su propio sistema de amplificación, o pasivos, a los que hay que conectar un amplificador.

La oferta de software musical es amplia y variada. La opción versátil por excelencia es un secuenciador al que se pueden acoplar otros programas VST, que es el formato estándar de compatibilidad. Los programas pueden ser gratuitos o de pago. Sobre la base de un secuenciador, introduciremos sintetizadores, samplers, líneas de bajo, de ritmos, efectos, etc. En los siguientes temas se explicarán los distintos tipos de programas para crear y producir música.


1. Teclado o controlador MIDI

- Lectura: Mi Home Studio. Guía para comprar un teclado controlador MIDI



2. Interfaz MIDI y cableado

- Lectura: Wikipedia. MIDI (Conectores, Manejo de dispositivos, Interfaces)
- Lectura: Analfatécnicos. Tipos de cables y conectores
- Lectura: Wikipedia. Universal Serial Bus
- Lectura: Wikipedia. Regleta multicontactos


3. Mesa de mezclas

- Lectura: Wikipedia. Mesa de mezclas de audio



4. Micrófono

- Lectura: Wikipedia. Micrófono



5. Monitores de campo cercano

- Lectura: Future Music. Monitores de estudio, cómo configurarlos y exprimir sus posibilidades



6. Software musical

- Lectura: Wikipedia. Software de audio libre



Para saber más y ampliar conocimientos

- Vídeo: NeoRazielRecords. Tutorial de un Mixer analogico de grabacion para un home studio y su coneccion


Música digital
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Monta tu equipo de DJ. Clase práctica virtual

Equipo DJ Pioneer

Lo primero para ser DJ es tener actitud y ganas de serlo. Y lo segundo es tener el equipo. El consejo que siempre se da es que, aún teniendo dinero, no conviene al principio gastarse mucho en el mismo. Es preferible ir aumentando poco a poco.

Lo primero que hay que tener en cuenta es si vas a mezclar discos de vinilo, CDs o archivos de audio, porque de ello va a depender que tipo de equipo vas a manejar.

¿De primera o de segunda mano? Volvemos a lo de antes. Depende de tus aspiraciones. Si estás empezando y no tienes todavía claro si te a gustar hasta el punto de meterte de lleno a ello, deberías de considerar la compra de equipo de segunda mano. Sin embargo, si te has decidido por esta opción, debes de cerciorarte que lo que vas a comprar va a estar en buenas condiciones y te va a satisfacer. Muchos equipos de los que se venden de segunda mano en portales como ebay están muy usados y a veces sucios. La suciedad es el menor de los problemas, ya que se pueden limpiar; es peor que no funcionen correctamente. No dudes en contactar con el vendedor para que te aclare los mínimos detalles sobre el producto que vendes. Tampoco hay que caer en la desconfianza excesiva: la mayor parte de los compradores de productos de segunda mano están satisfechos con la compra.

A la hora de hacerte con tu equipo de DJ y montarlo, conviene tener dos cosas muy claras: la primera es claramente condicionante: el dinero del que dispongamos, si no lo tenemos, no lo podemos pintar; y la segunda, las perspectivas que tengas, si quieres probar en esto del turnablism o tienes ya muy claro que va a ser tu vida.

Hay quien piensa que se puede gastar mucho dinero, porque en seguida lo va a recuperar en una cuantas sesiones. Cada uno en su casa sabe lo que se asa, pero muchos se han dado un batacazo pensando así, tú sabrás mejor que nadie, pero en todo caso, recomendamos empezar con poco presupuesto y luego ir subiendo, a medida que crezca tu actividad.


Introducción

- Lectura: CUVSI. El equipo del DJ


Qué vamos a hacer

Aprender a buscar las mejores ofertas y opciones para conseguir nuestro equipo de DJ al mejor precio posible


Qué necesitamos

Una conexión a Internet, movernos cuando sea necesario y ¡mucho entusiasmo!


Desarrollo de la clase práctica

Nota: varios enlaces que aparecen a continuación son enlaces de afiliados. Nunca incrementan el precio de venta al público, por el contrario, lo disminuyen si se trata de ofertas. Ayudan al sostenimiento económico de este sitio. En todo caso, buscaremos la oferta más barata para ti, pero si sabes de otra mejor, aprovéchala.

A la hora de conseguir nuestro equipo de DJ, tenemos dos opciones: comprarlo en Internet o en un establecimiento comercial a nivel local; y estas opciones, a su vez, se dividen en dos: comprarlo nuevo o comprarlo usado.


Comprar en Internet

- Ventajas: se pueden comparar con tranquilidad precios y calidades, y puedes optar por la opción más barata.

- Inconvenientes: demora en el envío, si hay defectos la devolución o reclamación es más complicada (lo mismo que con la garantía), y frecuentemente hay que pagar gastos de envío.


Comprar a nivel local

- Ventajas: obtienes el producto de inmediato y si tiene defectos o se estropea en plazo de garantía, la gestión de la devolución o garantía suele ser inmediata y sencilla.

- Inconvenientes: el precio suele ser más caro, aunque no siempre. A veces no es posible la compra, ya que no se vende el producto que deseamos.


Comprar de primera mano tiene como ventaja el obtener un producto nuevo, sin usar, y como inconveniente, su mayor precio. Precisamente lo contrario de comprar de segunda mano, el inconveniente de tomar un producto usado, y de ventaja, su mejor precio.

Podemos comprar en Internet o a nivel local, productos nuevos o usados, pero en cuanto a estos últimos, posiblemente encontremos mejores ofertas en Internet, pero nunca se sabe, date una vuelta por las tiendas de productos usados cerca de donde vives, porque lo mismo encuentras una oferta interesante.


Antes de seguir, tienes que responder a tres cuestiones:

1) ¿Vas a pinchar vinilo o CDs?

2) ¿Vas a usar controlador mezclador DJ?

3) ¿Vas a necesitar megafonía?


Vamos a mostrar un equipo base o para principiantes, que va a estar compuesto de los siguientes elementos:

- Controlador mezclador DJ

- Ordenador portátil

- Auriculares

- Altavoces

Las canciones y los programas serán objeto de otra clase práctica virtual.


Vamos a leer y ver unos vídeos, que nos orienten a la hora de comprar nuestro primero equipo de DJ.

- Lectura: Actual JD. Equipo DJ para empezar

- Lectura: WikiHow. Comprar tu primer equipo para DJ


Es importante buscar reseñas o reviews, que son comentarios y demostraciones sobre productos, como este ejemplo. Un método sencillo para encontrarlas en Youtube es buscar: review + marca y modelo que queremos.

Sitios web que conviene visitar:

- Ofertas de Amazon

- Ofertas de eBay (España)

- Ofertas de eBay.com

- Ofertas de Thomann

- Aliexpress (envíos a todo el mundo)

- Banggood (envíos a todo el mundo)


Controlador mezclador DJ




Mesa de mezclas



Auriculares



Ordenador y tarjeta de sonido



¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si has aprendido como es el equipo del DJ, su equipamiento básico, y como conseguir en la mejor proporción calidad/precio, has logrado el objetivo de esta clase práctica.


Preguntas y actividades

1.- Hazte un esquema mental realista de tus propósitos como DJ y piensa cual es el equipo que realmente necesitas para empezar.

2.- Evita comprar compulsivamente, y escribe en un papel, todas las posibilidades que tengas.

3.- En el mismo papel anterior, entre dos opciones posibles cuando hay distintas calidades, hazte una cuadrícula comparativa de las mismas, para tomar una decisión correcta en cuanto a la compra.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Eme DJ Blog. ¿Qué equipo comprar para empezar a pinchar?
- Lectura: Tecnología DJ. IKEA, el mejor amigo del DJ


Música DJ
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El sintetizador

Korg MS20

El sintetizador es un instrumento electrónico que produce sonidos de distintos tipos mediante síntesis, pudiendo estos imitar a un sonido existente o bien crear sonidos nuevos.

Los modernos sintetizadores electrónicos datan de finales de los 60 del siglo XX, siendo el control del voltaje ideado por Moog un hito decisivo en su desarrollo. En un principio eran monofónicos y analógicos, estaban basados en la electrónica analógica (en la que las variables pueden adoptar cualquier valor) y no en la electrónica digital (las variables adoptan valores determinados). Posteriormente llegaron los digitales y polifónicos, abaratándose los precios, aunque algunos artistas preferían y prefieren los analógicos. A partir del siglo XXI se han desarrollado los sintetizadores software o virtuales, que imitan algunos instrumentos clásicos o bien son de nueva creación.

A grandes rasgos, además de lo que indicado anteriormente, los sintetizadores analógicos producen sonidos más graves, más gruesos, mientras los de los digitales son más agudos, más finos o brillantes, aunque esto es una generalización, ya que ambos tipos de instrumentos se mueven en un amplio ámbito de frecuencias.

Existen varios tipos de síntesis de sonido, pero las más usadas son la síntesis substractiva, muy empleada en sintetizadores analógicos, que se basa en la filtración de ondas a partir de una generación de señales, y la síntesis por modulación de frecuencias o síntesis FM, empleada en sintetizadores digitales, en la que se modula una señal analógica o digital.

Otros tipos de síntesis son la síntesis por distorsión de fase (usada anteriormente por Casio y hoy prácticamente en desuso), la síntesis granular y la síntesis mediante muestras de sonido.

A partir de la adopción del protocolo MIDI, la interfaz de control (módulo o módulos) no ha de estar unido necesariamente al teclado, por lo que distinguiríamos, a grandes rasgos, dos partes en un sintetizador: la interfaz de control y el controlador, siendo el más común un teclado, aunque también puede ser una cita (ribbon), un secuenciador físico u otros. Existen sintetizadores comerciales que se venden separadamente del teclado.

Los componentes de más típicos en la interfaz de control de un sintetizador, son los VCO, osciladores controlados por voltaje, en los analógicos, que son los DCO, osciladores controlados digitalmente, en los digitales; filtros, llamados VCF en los analógicos, amplificadores, llamados VCA en los analógicos, y el LFO, oscilador de baja frecuencia, en los analógicos, para producir trémolo o vibrato. Pueden tener muchos más componentes, que aparten distorsión, resonancia, etc.

Un sintetizador puede intervenir con varios roles. Los más típicos son el synth lead, cuando lleva la melodía principal de una canción; synth pad, cuando ejecuta un acorde sostenido o sonido prolongado; synth bass, cuando lleva la línea de bajos, y como arpegiador, cuando reproduce notas en un secuencia, generalmente de un acorde (hay sintetizadores que incorporan esta función automaticamente).

El vocoder es un sintetizador de voz, en la música se usa con una fuente de sonidos como onda portadora. Para aplicaciones musicales fue desarrollado a finales de la década de los 70 del siglo XX. Se usa esporádicamente en música electrónica y música pop. No hay que confundir el vocoder con el talkbox, ya que aunque sus sonidos finales son parecidos y puede usarse en música electrónica, no es propiamente un sintetizador de sonido, sino un dispositivo electroacústico.


1. Concepto

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Introducción)


2. Historia

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Historia)


3. Diferencia entre sintetizadores analógicos y digitales

Las diferencias existentes entre ellos son las siguientes:

- Los sintetizadores analógicos están basados en la electrónica analógica, que es aquella en la que las variables pueden tomar cualquier valor, mientras los digitales se basan en la electrónica digital, que es aquella en la que las variables toman valores determinados.

- Los primeros sintetizadores eran analógicos y los segunda generación digitales, pero esto no quiere decir que todos los que sean analógicos tengan porque ser más antiguos, ya que se siguen fabricando analógicos porque en ocasiones se prefieren sus características y sonido.

- Los sintetizadores analógicos suelen ser monofónicos, mientras que los digitales son polifónicos. En un sintetizador analógico hacer que suenen dos sonidos al tiempo requiere repetir la circuitería, lo que los encarecería sobremanera.

- Los sintetizadores analógicos se desafinan más fácilmente que los digitales y son más sensibles a las variaciones de temperatura.

- El sonido de los sintetizadores analógicos es un sonido más grueso que el de los digitales, producen un sonido más rico en graves y medios, con más llenado de espacio sonoro. Los sintetizadores digitales suelen producir un sonido más agudo, más brillante, más fino.

- La programación de los sintetizadores analógicos suele ser a base de botones o perillas, mientras que la de los digitales suele ser por introducción de valores.

Los sintetizadores software tienen lógicamente las características de los sintetizadores digitales, aunque existen muchos que recrean los sintetizadores analógicos.



4. Tipos de síntesis

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Típos de síntesis)


5. Partes de un sintetizador

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Componentes, Patch, Interfaces de control)



6. Roles típicos

- Lectura: Wikipedia. Sintetizador (Roles típicos)


7. El vocoder

- Lectura: Wikipedia. Vocoder



Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Dominio austrohúngaro. ¿Qué es un vocoder?


Música electrónica
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Síntesis por distorsión de fase

Casio VZ1, un emblemático sintetizador por distorsión de fase
Casio VZ1, un emblemático sintetizador por distorsión de fase
La síntesis por distorsión de fase fue un tipo de síntesis creada a principios de la década de los ochenta del siglo XX por Casio en sus series de sintetizadores VZ y CZ. Hoy prácticamente está abandonada, aunque está siendo retomada por programadores musicales a través de sintetizadores software.

Es similar, hasta cierto a la síntesis por modulación de frecuencia o síntesis FM, ya que ambas se basan en cambiar los armónicos de una onda portadora con otra onda moduladora, pero su procedimientos y resultados son distintos.


Procedimiento de la síntesis por distorsión de fase

Se utilizan osciladores para generar ondas, que son los DCO (Digital Controlled Oscillator). Las denominación DCO se emplea para osciladores digitales, que son estables frente a los analógicos (es una denominación de la que se ha abusado, ya que se ha empleado para cualquier oscilador intervenido digitalmente). Los DCO son modificados, sincronizadamente por ciclo, por los DCW (Digital Controlled Waveform).

El oscilador digital o DCO produce una señal periódica, que puede tener una determinada forma (sinusoidal, cuadrada, diente de sierra, triangular, etc.). La frecuencia depende de la rapidez con la que se repita en el tiempo su forma de onda. Esta onda se distorsiona con otra onda producida por los moduladores de onda DCW, con ocho formas diferentes, que corresponden a ocho formas de onda distintas, tal como se haría con el filtro de un sintetizador por síntesis substractiva (VCF, Voltage Controlled Filter). Por ejemplo, si tenemos una onda sinusoidal, y el DCW en diente de sierra es cero sólo se oirá la onda sinusoidal, pero si vamos aumentando el nivel de DCW, la onda inicial será modificada por la onda en diente de sierra, y si lo aumentamos, llegará un momento en que ni la reconozcamos como sinusoidal.

Estas ondas a su vez son modificadas por ondas resonantes, generándose una onda sinusoidal múltiplo de la frecuencia fundamental del oscilador, siendo el múltiplo según el valor DCW.

Una repetición de una onda es un ciclo. En los sintetizadores Casio de la serie CZ se puede alternar entre dos de las ocho formas de onda en cada ciclo, por ejemplo, si se elige una forma triangular y una forma cuadrada, el oscilador las alternará: triangular, cuadrada, triangular, cuadrada, y así sucesivamente. Todas las combinaciones tienen un sonido distinto.

Una buena manera de iniciarse en la síntesis por distorsión de fase es modificar los ajustes de los sonidos de fábrica o presets, o coger una onda (por ejemplo, cuadrada o diente de sierrra) e ir retocando los distintos parámetros.

Distorsión de fase

Diferencias con la síntesis por modulación de frecuencias o síntesis FM

De forma resumida, en la síntesis FM por modulación de frecuencia, al menos se usan de forma combinada dos osciladores de onda sinusoidal, pero la parte de fase no se distorsiona como en la síntesis por distorsión de fase. En esta última, basta con elegir la forma de onda y cambiar el parámetro DCW, mientras que en la síntesis FM hay que establecer las frecuencias y otros parámetros que puede producir complejas interacciones en el sonido, resultando por tanto más fácil la síntesis por distorsión de fase.

La síntesis por distorsión de fase es más limitada porque siempre usa moduladores que están en la misma frecuencia que la onda portadora, o a veces en un múltiplo de su frecuencia. En cambio, en la síntesis FM, el aumento de la frecuencia de la onda triangular, por ejemplo, produce un efecto complejo en la distorsión de fase. En comparación con la síntesis substractiva, usada en sintetizadores analógicos, la síntesis FM es más efectiva, pero menos controlable en cuanto al espectro que se genera.

En realidad, no hay grandes diferencias entra la síntesis por distorsión de fase y la síntesis FM. Se podría decir que la síntesis por distorsión de fase sería una forma especial de la síntesis por modulación de fase.

La síntesis por distorsión de fase es más limitada que la síntesis FM porque siempre usa moduladores que están en la misma frecuencia o en un múltiplo de la señal portadora. Por contra, aunque la síntesis por modulación de fase ofrezca más posibilidades que la síntesis por distorsión de fase, es una síntesis más compleja, más impredecible y menos fácil de aprender que la síntesis por distorsión de fase.

Los sonidos generados por síntesis por distorsión de fase son agradables sobre todo en sonidos percusivos, metálicos, campanas y bajos sintetizados.




Soñando mundos
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El ordenador musical y la tarjeta de sonido

Estudio casero de música digital

Aunque antes existía, se puede decir que a mediados de la década de los 80 es cuando se produce el desarrollo en hardware musical, principalmente de la mano de Creative Technology, que poco después se llamaría Creative Labs, madurando con la creación de las tarjetas de sonido Sound Blaster, habiendo desde entonces una evolución imparable, tanto en hardware como en software, en cuanto este último hay que destacar la salida al mercado por la empresa alemana Steinberg en 1996 del programa Cubase VST, siendo el primer secuenciador con grabación audio basado por completo en el ordenador, además la creación del estándar VST supondría la consolidación de la música digital.

Hay que tener en cuenta que no es lo mismo un ordenador y una tarjeta de sonido para jugar que para hacer música. Una tarjeta de sonido para jugar puede ser excelente y ser cara, pero sus características van enfocadas a los efectos y a la sensación de realidad más que a la música.

En cuanto a las características del ordenador lo de menos es que sea Macintosh o PC, ya que actualmente hay aplicaciones para ambos, y lo importante es que tenga buena velocidad, que está directamente relacionado con la velocidad del microprocesador y la RAM. Por tanto, cuanto más potente en este sentido mejor, con el fin de tener menos problemas con la latencia, que se produce, entre otros casos, cuando se toca con un teclado muy deprisa notas cortas y no da tiempo a procesar los sonidos, produciéndose un retardo.

Actualmente las tarjetas de sonidos de sonido se hallan integradas en las placas base de los ordenadores. Pero en todo caso, si se va a usar el ordenador para producir música, se ha optar por una tarjeta de sonido independiente de la integrada en la placa base, ya que las prestaciones y la calidad de esta son muy inferiores.

La capacidad de almacenamiento de un ordenador musical ha de ser muy elevada, ya que las samples y las canciones ocupan mucho espacio, sobre todo si están en formato wav. No obstante, este obstáculo se puede superar fácilmente con los discos duros portátiles, que actualmente se han abaratado al tiempo que han aumentado en prestaciones.

A pesar de que los programas musicales no son de diseño, dibujo o tratamiento de imagen, al igual que en estos casos, conviene que el monitor sea lo más grande posible, ya que hay que manejar simultáneamente gran cantidad de información en pantalla y si este no es grande vamos a tener que andar de continuo con movimientos y desplazamientos para ver información.

La tarjeta de sonido posiblemente es el elemento más crítico en un ordenador para producción musical. Evidentemente cuanta mayor sea su calidad mucho mejor, pero también hay que conseguir un equilibrio entre nuestras posibilidades económicas, las prestaciones que necesitamos y las perspectivas de futuro que hayamos puesto en la música.

Las tarjetas de sonido pueden ser internas o externas. Es preferible una interna, ya que la conexión al ordenador es directa, son más baratas y suelen dar menos latencia. Sin embargo, la externa tiene la ventaja de la portabilidad, se puede llevar a cualquier lugar o cambiar de ordenador facilmente. La conexión de estas puede ser por USB, Firewire o Thunderbolt, siendo preferible estas dos últimas, aunque normalmente suelen ser más caras.

Las entradas y salidas físicas de la tarjeta de sonido son importantes si vamos a usar varias voces o instrumentos, y aunque se puede solucionar con una mesa de mezclas siempre es mejor tenerlo en cuenta. Si, en cambio, tenemos pensado secuenciar pistas con instrumentos virtuales y archivos MIDI, sin fuentes externas, no bastaría una tarjeta de sonido con una entrada y una salida estéreo.

Es conveniente que la tarjeta de sonido posea puertos MIDI, ya que muchas de ellas no los tienen, suponiendo que el usuario cuenta con una interfaz MIDI independiente. En todo caso es conveniente que cuente con MIDI IN y MIDI OUT.

Los controladores o drivers son los archivos por los que el ordenador se comunica con la tarjeta de sonido. Existen unos controladores genéricos de Windows: WASAPI, Direct Sound o MME, que son los que permiten que ordenador pueda emitir sonidos, pero estos controladores, aunque la calidad del sonido sea buena, están pensados de cara al propio ordenador o a los juegos, no a la música.

La empresa alemana Steinberg creó una alternativa a estos controladores genéricos, centrada en la música, son los controladores ASIO, que pueden acceder a múltiples entradas y salidas de forma simultánea, permiten una comunicación de alta velocidad entre la tarjeta de sonido y los programas, y reducen el retardo o latencia.


1. El ordenador

- Lectura: Wikipedia. Computadora (Componentes)



2. La tarjeta de sonido

- Lectura: Wikipedia. Tarjeta de sonido



3. Drivers

- Lectura: Wikipedia. Manejador de dispositivo


4. ASIO

- Lectura: Wikipedia. Audio Stream Input/Output


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Future Music. Discos SSD para producción musical
- Lectura: Mi Home Studio. El ordenador
- Vídeo: Tiendas APP. ¿Qué es una tarjeta de sonido?
- Vídeo: Latiandro. ¿Qué tipo de tarjeta me compro?


Música digital
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Los primeros tiempos del sintetizador

Pink Floyd
Pink Floyd
Tras las primeras fases experimentales en los inicios de la música electrónica, llegó el descubrimiento del sintetizador y con ello cambió todo. Era un instrumento nuevo, abierto a todo tipo de posibilidades, y por tanto, en sus inicios, hubo numerosos grupos musicales que experimentaron con él.

Los primeros tiempos de andadura del sintetizador, inicios de la década de los 70 del siglo XX, coinciden con el desarrollo del movimiento hippie, movimiento contracultural, pacifista, libertario, con influencias naturistas. La imaginación de mundos exóticos o de fantasía, y la influencia de los sueños o las drogas, podían ser evocadas por los sonidos que salían de un sintetizador, ya que con este podían crearse sonidos extraños, que no existían o no eran comunes en la Naturaleza.

El rock psicodélico nace en el entorno hippie, en el que por un lado se potencian experiencias con drogas como el LSD y por otro se exploran nuevas culturas, por ello conviven en este estilo instrumentos electrónicos, como el sintetizador, con instrumentos tradicionales del folklore, como el sitar indio.

A partir del rock psicodélico se desarrolla el rock progresivo, que intenta mejorar las composiciones musicales, inspirándose además en el música clásica o el jazz. Por otra parte, la música New Age, intenta crear atmósferas musicales, basándose en sintetizadores y secuenciadores electrónicos, unidos a instrumentos acústicos, como flautas, violines o guitarras, siendo una música unida al ecologismo y a la espiritualidad. Dentro de la música New Age, destaca la llamada Escuela de Berlín, que tiene como centro la ciudad alemana de Berlín.

Las diferencias entre rock psicodélico, rock progresivo y música New Age, no están bien definidas, ni se puede hacer una separación tajante de estilos. Un mismo grupo o banda musical puede evolucionar, y varias de sus canciones pueden encajarse en un estilo u otro o en varios, o considerarse simplemente rock. La música New Age y la Escuela de Berlín se tratarán en una entrada aparte, al ser una evolución y tener características propias e influencia posterior.

Como bandas míticas de rock psicodélico y progresivo, podemos citar, entre otras, a Pink Floyd y Yes, y dentro del rock progresivo a Mike Olfield y Génesis.

A todo ello, suele contraponerse, aunque es contemporánea en el tiempo, la Escuela de Düsseldorf de música electrónica, en la que se emplean, además de sintetizadores, sonidos sintetizados de bajo y batería. Kraftwerk ocasionó mucha influencia posterior en la música de los 80 y Neu! fue famosa por sus experimentaciones musicales.


1. El rock psicodélico

- Lectura: Wikipedia. Rock psicodélico



2. El rock progresivo

- Lectura: Wikipedia. Rock progresivo



3. Escuela de Düsseldorf

- Lectura: Wikipedia. Escuela de Düsseldorf de música electrónica



Historia de la música electrónica
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Programación de un sintetizador. Clase práctica virtual

Sintetizador

Programar un sintetizador es lograr el sonido que deseamos. Ese sonido puede ser uno existente, entonces sería una imitación, o lograr un sonido completamente nuevo, entonces sería una creación.

A la hora de programar un sintetizador, en líneas generales, será distinto si es un sintetizador analógico o si es un sintetizador digital. Si es un sintetizador analógico normalmente se hará moviendo los botones o perillas y es uno digital será introduciendo los valores correspondientes. La diferencia es menor si es un sintetizador físico o hardware o si es uno virtual o software, ya que estos últimos son una emulación o imitación de los anteriores.

Un aspecto importantísimo a la hora de programar un sintetizador es aprenderse el manual de instrucciones, ya que es fundamental conocer, sobre todo en uno digital, como se introducen los valores.

En esta práctica o sesión es mostrar las bases de la síntesis de sonidos para la creación musical.


Introducción

- Lectura: Emilia Gómez Gutierrez. Introducción a la Síntesis de Sonidos (pdf)




Qué vamos a hacer

- Lectura: Aprende gratis. Introducción a la síntesis de sonido


Qué necesitamos

Necesitamos un sintetizador físico o hardware. Si no lo tenemos, podemos usar un sintetizador virtual o software.

Si no tenemos un sintetizador físico, ni estamos familiarizados con los sintetizadores software, tenemos otras opciones.

- Descargar el sintetizador virtual Soundforum. Se toca con el teclado del ordenador. También valdría cualquier programa similar.

- Usar un sintetizador online. Estos son algunos de los que se pueden utilizar:


Audiosauna

Se tocan las notas en el teclado con el ratón


g200kg

Sintetizador modular con varias opciones de presentación. Se toca con el ratón sobre el teclado que aparece.


Sympathetic Synthesizer System Mk 1

Imita a un sintetizador basado en el chip SID, usado para crear música de videojuegos en las décadas de los 80 y 90. El teclado se puede usar tanto con el ratón como con el teclado del ordenador.


Webitaur

Sintetizador online con predominancia de sonidos graves. Se puede tocar con el ratón sobre su teclado o también con el teclado del ordenador.


Webotribe

Emulación del sintetizador físico Korg Monotribe. Se toca sobre el ratón sobre la cinta teclado que aparece.


Desarrollo de la clase práctica

En esta clase práctica, lo primero que vamos a hacer va a ser encender nuestro sentetizador real o virtual, o abrir uno online. Una vez que lo tenemos hecho vamos a seguir los siguientes pasos:


1) Osciladores

En los osciladores y osciladores controlados por voltaje (VCO), vamos a ir cambiando de forma de onda (sinusoidal, cuadra, triangular, diente de sierra...) y vamos a ir comprobando los cambios en el sonido pulsando distintas notas. Si hay más de un oscilador, vamos comprobando las mezclas de las distintas ondas.


2) Filtros

En filtros y filtros controlador por voltaje (VCF), vamos a ver la diferencia en el sonido modificando los distintos parámetros. De todos ellos, prestaremos especial atención a la frecuencia (Freq, Cutoff frequency,...)  y resonancia (Resonance).


3) Envolvente acústica (ADSR)

Envolvente ADSR
La envolvente acústica ADSR nos define la evolución temporal del sonido cuando pulsamos una tecla o realizamos un evento del sintetizador.

- A: ataque, del inglés attack. Nada más pulsar una nota delimita como el sonido aumenta de nivel. Por ejemplo, si queremos imitar un piano, al pulsar una tecla el mecanismo de percusión golpea de repente una cuerda, por lo que prácticamente no hay ataque ya que al pulsar una tecla inmediatamente hay sonido; en cambio, en una flauta o en órgano, el aire va entrando y generando el sonido aumentando progresivamente de volumen, por lo que el ataque será elevado.

- D: caída o decaimiento, del inglés decay. Tras el sonido inicial, muestra su siguiente evolución. En un piano, tras la subida inicial, el sonido decae rápidamente, mientras en una guitarra la vibración continuaría más tiempo.

- S: sostenimiento, del inglés sustain. Nos muestra que ocurre cuando una tecla continúa pulsada. En un piano, el sonido se iría extinguiendo (sostenimiento corto), mientras que en el órgano continua mientras siga pulsada (sostenimiento largo). A veces los botones D y S pueden ir unidos.

- R: extinción, del inglés release. Es el sonido que se da cuando se deja de pulsar una tecla. En el piano continuaría por un breve espacio de tiempo, que sería más largo en la guitarra, mientras el órgano dejaría de sonar una vez que no se pulse la tecla, no tendría prácticamente sostenimiento.

Iremos modificando los parámetros A, D, S y R y comprobaremos pulsando teclas como influyen sobre la dinámica del sonido.


4) LFO

El oscilador de baja frecuencia (LFO) introduce un ritmo en el sonido, siendo útil cuando se quieren crear sonidos percusivos, ondulantes o complejos.

Modularemos la onda de sonido con el LFO eligiendo un tipo de onda determinada (triangular, cuadrada, etc.) y modificando los valores de la frecuencia, ratio o velocidad u otros valores si existen.


5) Amplificadores y efectos

Por último, iremos modificando valores en el amplificador controlado por voltaje (VCA) y si el sintetizador tiene efectos adicionales, también comprobaremos los cambios que se producen tras la modificación de sus valores.

Ajustaremos el volumen, y otros parámetros que hubiere, así como si existen efectos como ruido, chorus, distorsión, etc.


En un sintetizador analógico físico o uno virtual se pueden modificar estos valores con el sonido vivo, mientras que en muchos sintetizadores digitales físicos hay que modificar los valores a priori, lo que lleva más tiempo, pero también ayuda a conocer mejor como funciona el aparato.


¿Qué has aprendido en esta clase práctica?

Si sabes la función de cada uno de los módulos y botones del sintetizador y cómo modifican el sonido, has logrado el objetivo de esta clase práctica.

Saber programar adecuadamente un sintetizador no es nada fácil, se necesitan muchas horas, y sobre todo, práctica, práctica y práctica.

Hay que tener en cuenta que cada modelo es distinto y tiene sus pecualiaridades, por lo que hay que conocerlo a fondo. Conviene leer con calma el manual de instrucciones y de vez en cuando volverlo a leer, porque, si este es bueno, siempre se sacan más cosas en claro.


Preguntas y actividades

1) Piensa en el sonido natural de un instrumento musical, como por ejemplo, un violín, una trompeta, una flauta y un oboe. Estas son sus ondas:

Ondas de instrumentos musicales
Ondas de instrumentos musicales (tomado del libro Acoustics
and Psychoacoustics de David Howard y Jamie Angus
( http://www.embedded.com/print/4015870)

Partiendo de la forma de las ondas, ¿qué harías en el sintetizador para imitarlos?

2) En el caso anterior, ¿cómo influiría la envolvente ADSR y qué valores tendría?

3) Observa la siguiente imagen que muestra una nota musical teóricamente  pura y la misma nota con ruido, por la posible deficiencia del instrumento, muchos armónicos u otras causas:


¿Cómo podrías imitar la onda con ruido en el sintetizador? Te doy dos pistas: LFO y ruido

4) Deja volar tu imaginación, imagina un sonido raro o con el que alguna vez soñaste. Intenta conseguirlo o al menos aproximarte a él con el sintetizador. Cambia formas de ondas, cambia frecuencias,. modifica la envolvente, etc.

5) Los sintetizadores digitales y software suelen llevar sonidos predeterminados o presets. Modifica uno que te guste y guárdalo. Un tipo de síntesis es la síntesis por muestreo o sampling, en la que se captura un sonido y luego se modifica.

6) ¿Cómo guardarías los sonidos qué has creado? En los sintetizadores analógicos había y hay unas plantillas en blanco con los elementos del sintetizador en los que se se anotaba con lápiz o bolígrafo los distintos valores, a veces simplemente haciendo rayas sobre los dibujos de las perillas o botones rotatorios. Existían y existen plantillas similares para los sintetizadores digitales, teniendo normalmente forma de cuadrículas en las que se introducen los distintos valores. En estos últimos frecuentemente se pueden guardar los sonidos en la memoria interna o en unidades de memoria externa.

Otra manera posible de guardar como se realizan sonidos en un sintetizador analógico es hacer una foto de los botones con un teléfono móvil. ¿Se te ocurren otras?

7) Esto para investigar en libros, revistas o en Internet. ¿Cómo se pueden guardar los sonidos de un sintetizador digital en un ordenador? Existen programas para hacerlo, distintos según sea el tipo de sintetizador.


Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: CCÄPITALIA.net. Síntesis y generación digital de sonido
- Lectura: Musical Wars. ¿Conocías Todos estos Tipos de Síntesis de Sonido?


Música electrónica
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Los primeros tiempos de la música electrónica

Pierre Schaeffer
Pierre Schaeffer
El uso de la electricidad en la vida cotidiana y el nacimiento de la electrónica pronto insinuarían que era posible crear sonidos, y por tanto música, a partir de elementos de este tipo. Realmente todo esto significaba un nuevo paradigma que en gran medida rompía con lo anterior, por tanto era necesario crear una nueva estética de la músicatal como lo expresó Ferruccio Busoni en Esbozo de una Nueva Estética de la Música:
 Un día, súbitamente, me pareció ver claro: el desarrollo de la música está impedido por nuestros instrumentos musicales
Los futuristas italianos adoptarían esta nueva estética valorando el ruido y sonidos extraños y nuevos como formas de creación musical. En 1913, Luigi Russolo presentaría su obra El arte de los ruidos (L'arte dei Rumori).

La invención del Theremin supuso poder poder usar, como tal, un instrumento musical electrónico. En 1929, Joseph Schillinger crearía la Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta.

Por otra parte, la mejora en las técnicas de grabación posibilitaría que una cinta grabada pudiera reproducirse al revés, a más velocidad, añadir eco, reverberación, etc. En definitiva, poder ser utilizada para crear una fuente musical. Había nacido la música concreta. En 1950, Pierre Schaeffer y Pierre Henry crean la Symphonie pour un homme seul. En cierto modo, Pierre Schaeffer sería el precursor de los samplers, así en su obra Études de bruits utiliza trenes, juguetes y diversos sonidos como fondo musical.

A principios de la década de los 50 del siglo XX, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un referente ya que abogaba por producir sonidos y música de una manera completamente electrónica. Karlheinz Stockhausen realizó importantes innovaciones en música electroacústica (que incorporaba sonido eléctrico), música aleatoria (basada en una reordenación de elementos que se hallan al azar) y composición serial (música basada en el dodecafonismo, en que las doce notas de la escala cromática se tratan de forma equivalente). Asimismo, este compositor creó varias obras de música electrónica.

A mediados de esta década, Iannis Xenakis utilizaría ordenadores para crear música. Se alejaría del ordenamiento en series (serialismo) y usaría modelos matemáticos y algoritmos. La música estocástica, en sus propias palabras, nacería en base al principio de la indeterminación.

En la década de los 60, el auge de películas de ciencia-ficción haría más populares a los instrumentos electrónicos, en particular al theremin. En 1951 Bernard Herrman había compuesto la banda sonora de la película The Day the Earth Stood Still, usando música clásica y theremines, y esta tendencia se acentuará en este decenio, impulsada también por la música de series de televisión y de radio.

A principios de los 60, el sintetizador RCA era una máquina grande, que usaba válvulas y necesitaba una extensa programación. Milton Babbitt, en 1964, compone en estudio, Ensembles for Synthesizer. A principios de los 70, la alumna de Pierre Schaeffer, Elaine Radigue, creando música ambiental con influencia del budismo, estaría anticipando, en cierta manera, la música electrónica New Age, que vendría después.

La creación a mediados de esta década del sintetizador Moog, con transistores y portable, daría un nuevo impulso a la música electrónica. La música electrónica terminaría abandonando su carácter culto y experimental para popularizarse; la mejor muestra de ello sería el gran éxito en 1969 de la canción Popcorn del compositor Gershon Kingsley, usando un sintetizador Moog.


1. El futurismo y la nueva estética de la música

- Lectura: Wikipedia. Música electrónica (Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX)



2. La música concreta, la Elektronische Musik y la música estocástica

- Lectura: Wikipedia. Música electrónica (1940-1950)




3. La popularización de la música electrónica y los primeros tiempos del sintetizador

- Lectura: Wikipedia. Música electrónica (1960-1970)






Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Wikipedia. Elaine Radigue
- Lectura: Wikipedia. Gershon Kingsley
- Lectura: Wikipedia. Pierre Schaeffer
- Vídeo: Stockhausen. Studie II
- Vídeo: Symphonie pour un homme seul. Pierre Schaeffer & Pierre Henry
- Vídeo: Theremin First Aerophinic Suite. Schillinger


Historia de la Música Electrónica
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Los DJ. Conceptos, cualidades, historia y situación actual

Andy Moor

Un disc jockey, conocido con la abreviatura DJ, es una persona que elige, mezcla, transforma y reproduce música grabada propia o de otros artistas en discotecas, salones de baile, u otros eventos.

Algunas de las técnicas que usa para conseguir una ambiente musical agradable y bailable son coordinar los tempos entre canciones, añadir más pistas a un tema (remix) o la adición de efectos.

En la actualidad, el disc jockey es conocido comúnmente como DJ, que se pronuncia diyei, también como pinchadiscos, aunque esta palabra ahora no es muy empleada, aunque es recogida como sinónima en el dicciones de la Real Academia Española de la Lengua, que le define como:
 Persona encargada de seleccionar y poner discos en una discoteca o en determinados programas de radio o televisión
La actividad o arte de mezclar temas musicales y realizar efectos se conoce con la palabra inglesa turnablism, que hace referencia a las mesas de discos.

Las características de un buen DJ son amar la música y escuchar mucha, comprender las emociones de la gente, saber elegir los temas y el momento apropiado, trabajar mucho y no dejar de aprender. Otras cualidades que le ayudarán en su actividad son la cercanía a la gente, la personalidad diferenciada y conocer la normativa legal y económica que afecta a su trabajo.

Aunque la invención del fonógrafo y del disco es muy anterior, el nacimiento de los DJs, como tales, surge en las salas nocturnas y discotecas a finales de la década de los 60 del siglo XX. Entonces los discos utilizados eran de vinilo, empezando a surgir instrumental para mezclar canciones de forma que no hubiese interrupción entre la reproducción de las mismas. Posteriormente fueron inventándose y mejorando técnicas de mezcla y efectos que generaron a su vez la invención y fabricación de nuevos tocadiscos y mesas de mezclas. Los discos de vinilo dieron paso a los CDs y estos a los mp3, modificándose el instrumental, aunque no ciertas técnicas de la vieja escuela del vinilo, como el scratch. La entrada del ordenador, la propia producción musical del DJ y las fiestas masivas (raves) son algunas de las señales distintivas de los últimos tiempos.


1. Conceptos

- Lectura: Wikipedia. Turnablism



2. Cualidades del DJ

Las cualidades que debe tener un buen DJ son las siguientes:

1. Saber elegir el momento y el tiempo de los temas. Para ello es fundamental, conocer bien los temas y saber bien el trabajo para escoger el momento justo.

2. Amar la música. Porque hay que escuchar y escuchar los temas y frecuentemente música que no gusta

3. Saber captar las emociones de la gente. Saber que es lo que gusta, en que momento gusta y a que tipo de gente gusta.

4. Amar el trabajo de DJ. Hay que creer en ello, quererlo y trabajar mucho. Un DJ es algo más que una persona que sabe mezclar temas y levanta los abrazos animando a bailar. Muchas sesiones son agotadoras y la remuneración en los principios es escasa. Muchos personajes famosos se meten a DJ, pero a la larga, si no trabajan el oficio, terminan fracasando, mientras otros, de orígenes desconocidos, pero con mucho sacrificio y trabajo, llegan a triunfar.

5. Cualidades personales y humanas. Un DJ antipático y pésimo gestor a la larga está destinado al fracaso, aunque como DJ sea excelente técnicamente. Cualidades humanas como la humildad, la ayuda a los que están empezando, o la cercanía al público son enormemente valoradas. También es muy importante la personalidad, saber imprimir tu marca personal, diferenciarte de otros DJs. Finalmente, hay que ser buen gestor de tu trabajo, conocer los aspectos legales, comerciales y económicos del mismo.

Ser DJ es una mezcla de ciencia y arte. Ciencia porque hay que dominar ciertos fundamentos de la mezcla y de la música electrónica y arte porque hay que tener un sentido elevado de la estética para saber cuando una mezcla ha quedado bien, captar el sentido del ritmo, etc.

Oír música, trabajar, practicar, hacer cursos, son aspectos fundamentales para llegar a ser un buen DJ.

Todo lo anterior debe conseguir que, en definitiva, cada actuación de un DJ deba ser una actuación única.



3. Historia y situación actual

- Lectura: Wikipedia. Disc jockey



Música DJ
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Música digital. Concepto y ámbito

Estación de trabajo de audio digital

El concepto de música digital es algo impreciso ya que puede referirse a música grabada en audio digital, música realizada con sintetizadores digitales (en general los más modernos) o música realizada con un ordenador. Esta última definición será la que empleemos en este curso.

Hablar de música digital es hablar de música electrónica y ambos conceptos son inseparables. Dentro de la música electrónica, la música digital es una parte de la misma, la más novedosa y la que está al alcance de más personas, ya que su producción es más barata, aunque no es fácil su nivel de formación.

Su desarrollo apenas tiene dos décadas y ha venido de la mano del desarrollo de los ordenadores y de la Informática, pero la idea y el origen son mucho más antiguos. En la década de los 50 empezaron a utilizarse ordenadores para generar sonidos y, por tanto, generar música. En la década de los 60 se crean los primeros sintetizadores musicales, que unidos a los ordenadores mejoraban, pero sin embargo, el equipo era costoso y los resultados mediocres. La situación cambió en gran medida en los años 80, por dos razones, la primera es la irrupción de los ordenadores domésticos que poseían chips para generar sonidos y música, principalmente para juegos, como el Commodore 64, y la segunda, la progresiva informatización y digitalización de los equipos musicales, en gran parte gracias a la creación del protocolo MIDI, que posibilitó la comunicación entre instrumentos.

Pero el gran desarrollo de la música por ordenador vendría a finales de los 90, con la mejora de los equipos informáticos y la mejora de sus tarjetas de sonido. A todo ello no fue ajeno, el desarrollo del audio digital producido dos décadas antes.


1. Audio digital

- Lectura: Wikipedia. Audio digital


2. Música digital o música generada por ordenador

- Lectura: Wikiversidad. Música y sonido generado por ordenador




Para saber más y ampliar conocimientos

- Lectura: Sound & Pixel. Música analógica VS digital


Música digital
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Música electrónica. Historia de la música electrónica y digital

Sintetizador modular Moog
Sintetizador modular Moog

Se entiende como música electrónica la música que es producida por instrumentos electrónicos, como sintetizadores, bajos electrónicos y cajas de ritmos. También con los ordenadores se puede crear música, por lo que también forman parte de los instrumentos de la música electrónica, en lo que se conoce como música digital, que tiene sus propios métodos.

No entrarían en su definición instrumentos electromecánicos como el órgano Hammond, que tiene elementos giratorios,  o la guitarra eléctrica, que su sonido es producido por una corriente inducida debida a la vibración de una cuerda metálica. Sin embargo, no conviene hacer una distinción tajante, porque no es real, ya que los avances producidos en los instrumentos electroacústicos han hecho avanzar los instrumentos electrónicos y viceversa. Además, a veces las diferencias terminan por desaparecer como ocurre en la última generación de órganos Hammond, que son completamente electrónicos, o cuando se modifica mediante sintetizadores el sonido de una guitarra eléctrica.

Los inicios de la música electrónica se dan en la década 1910-1920, en la que los futuristas italianos abogan por la creación de música con instrumentos electrónicos. La electrónica no estaba avanzada, por lo que se quedó en una declaración de intenciones con algún experimento musical. La década de 1920 a 1930, traería la invención del theremin y el órgano Hammond lo que haría posible la creación de composiciones musicales electrónicas.

De 1940 a 1960 se desarrollan las piezas electrónicas musicales, pero no tenían carácter popular, como la música electroacústica o la Elektronische Musik. También en esta década tenemos las primeras composiciones por ordenador: la música estocástica.

La creación en 1964 del sintetizador Moog fue un hito en la música electrónica. Éste fue usado con muy diversos fines, intérpretes de música clásica (Wendy Carlos), bandas de rock (Yes) o bandas, ya claramente, de música electrónica (Tangerine Dream).

La década de los 70 traería un enorme desarrollo de la música electrónica, diferenciándose ya claramente diversos estilos de música electrónica o en los que participa ésta: New Age, rock progresivo, rock sinfónico, etc. Es la época de Pink Floyd, Vangelis, Karftwerk, Jean Michel Jarre, Mike Olfield, etc.

Los 80 serían decisivos en la música electrónica, ya que se desarrollará un estilo muy popular y bailable, creándose la música techno, dance, new romantics (nuevos románticos), italo disco, etc. Todo ello dentro de lo que se llamó new wave, o nueva ola. La década de los 90 traería el desarrollo de nuevos estilos, como la música house, acid house, trance, etc.

A finales de siglo se empieza a producir otro cambio decisivo: la irrupción de los ordenadores. El desarrollo del hardware y el software musical creó, por una parte, nuevas formas de creación musical, y por otra, la popularización de la creación musical, ya que se abarató la posibilidad de hacer música electrónica, que actualmente se puede hacer incluso con teléfonos móviles. Por otra parte, el trabajo de los DJ, o disc jockeys, también se vio influenciado por la música electrónica, dándose una simbiosis o transferencia de conocimiento y métodos entre su trabajo y el de la música electrónica.


Música electrónica. Historia de la música electrónica y digital

- Lectura: Wikipedia. Música electrónica




Música electrónica
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